"Martyrs", une souffrance extrême.

Más salvajismo francés en otra película de terror brutal. El dolor como fin en sí mismo.

En los albores de este blog hablé de "À l'Intérieur", una cinta de terror gala que seguía la tónica marcada por Alexandre Aja en su estupenda "Alta Tensión", es decir violencia extrema, brutal y gratuita recuperando el giallo italiano y ese agradable tono europeo que resulta tan fresco respecto al ya gastado estadounidense. Francia ha ido demostrando con diversos proyectos y realizadores jóvenes, apasionados y prometedores que esto del cine de terror se les da de perlas, y más si es del tipo sangriento y estremecedor que requiere de un espectador mentalizado y preparado para ver todo tipo de casquería, entrañas y litros de sangre surgiendo a borbotones de la pantalla, una carnicería dispuesta para que el aficionado al cine fantástico disfrute y se horrorice a la vez que sacude sus instintos más salvajes. Aquella "À l'Intérieur" era todo lo que un estómago fuerte podía pedir, violencia directa y sadismo mayúsculo que hasta costaba soportar, y el año pasado surgió otro film más de un corte similar que se basaba en las mismas premisas y que pretendía impactar explotando precisamente el factor del salvajismo exagerado, "Martyrs", la segunda película de Pascal Laugier tras "El Internado" que ha resultado otro tremendo e impactante éxito, una excelente película de terror más que sumarle a Francia.

En el último Festival de Cine Fantástico de Sitges estuvo entre las nominadas a mejor película y fue una de las más aplaudidas y también de las más polémicas. De hecho parte de su campaña de marketing se basó en colocar una ambulancia a la salida por si alguien se encontrase mal viendo el film, algo completamente absurdo y evidentemente una provocación pero que dio resultado ya que todo el mundo se hizo eco del suceso. La película ha sido comparada con "À l'Intérieur" por lo evidente, e incluso se presumía de que ésta a su lado era como ver un episodio de "Teo se va al zoo", todo fruto de la exageración y la nombrada campaña publicitaria; personalmente no creo que el film de Alexandre Bustillo y Julien Maury sea menos salvaje que "Martyrs", sinceramente son del mismo nivel pero si una de las dos es algo más explícita y angustiosa esa es "À l'Intérieur". Igualmente no se queda corta con el desfile de entrañas, litros y litros de sangre, brutales asesinatos, crueldad infinita y muchísima mala leche, el regusto que le queda a uno tras ver "Martyrs" es de puro desasosiego, mal cuerpo y un sentimiento de pura repugnancia, todo perfecto para una película de terror de estas características.

La historia es difícil de resumir sin dar detalles clave sobre la trama así que me limitaré a dar una breve sinopsis sobre lo que vemos al empezar, aunque luego la película evolucione de forma completamente distinta; todo comienza cuando una feliz familia ve interrumpido bruscamente su desayuno un domingo cualquiera, una chica parece tener motivos de peso para fastidiar la paz de su hogar y pronto vemos como su visita desemboca en una masacre cuyos motivos son dudosos y espeluznantes. El secreto del film es el hecho de que va desvelando las fases de su historia progresivamente manteniendo una tremenda tensión dominada a la perfección por el realizador y haciendo que el espectador se enganche al film y necesite respuestas ante los tremendos hechos que va descubriendo progresivamente. La película evoluciona constantemente desde su primer minuto pero es aproximadamente cuando se cumple la hora (es decir a los 2/3 de film) que tiene un importante punto de inflexión y donde personalmente creo que sufre un pequeño bajón debido a la repetitividad de las secuencias durante unos 20 minutos, aunque estén del todo justificados y sean necesarios para llegar al espectacular final, un inesperado semi-giro que te deja ese sabor de boca que he comentado y ayuda a subir un peldaño al film en su categoría y trascendencia, un final realmente glorioso, original, sencillo y efectivo.

No faltan las secuencias espeluznantes durante el film, que es una constante salvajada comenzando por el impactante inicio que da un puñetazo al espectador en toda la boca y le avisa de que lo que verá a continuación tiene poco de convencional. El sadismo de los protagonistas da lugar a escenas que harán encogerse al espectador en su butaca y apretar los puños, no faltan navajazos, tiros, palizas, cantidades ingentes de sangre y más brutalidades que obligan a apartar la mirada en más de una ocasión, y que reflejan el excelentísimo trabajo de maquillaje y efectos visuales que son muy de agradecer dada la tendencia del cine de terror actual (y del cine en general) de tirar de efectos especiales realizados por computador en vez de los tradicionales que resultan mucho más realistas y efectivos en pantalla. El maquillaje de algunas víctimas y los cortes, heridas y demás bestialidades hacen del film una joya en este aspecto, y dejan a películas como "Saw" o "Hostel" al nivel de una broma simpática en comparación a la ferocidad y crueldad de "Martyrs". Igual que hice con "À l'Intérieur" no aconsejo a nadie ver este film recién cenado, por si las moscas.

Las interpretaciones principales son una maravilla, por lo visto la cantera de jóvenes chicas francesas es de gran calidad; la protagonista principal podría ser Anna, interpretada por la novel Morjana Alaoui que tan solo había realizado un film antes que este, y se comporta como una perfecta víctima, alejada del prototipo de mujer luchadora de las clásicas slasher movies y convertida en una víctima sufridora y resistente que no hace más que asimilar lo sucedido a cada minuto de metraje que avanza. Su magnífica interpretación viene acompañada de la de Mylène Jampanoï en el papel de la desequilibrada y traumatizada Lucie, una actriz algo más experimentada que se mete en la piel de la demente amiga de Anna que sufre las consecuencias de un secuestro cuando era una cría que la marcó de por vida y que le mantiene obsesionada por errores del pasado; también realiza un gran papel bastante sobrecogedor en algunas escenas y conformando a un personaje bastante complejo, aunque lo que le sucede a su personaje es algo predecible desde el primer momento. Una cosa curiosa es la evolución de los escenarios del film, que en principio son ordinarios pero más adelante toman un aspecto sórdido y tétrico que acaba de meter al espectador en el film. El calvario de la chica al final es tremendo, la narración dota a dicho último segmento de una crudeza muy intensa y la forma de desvelar las respuestas a las preguntas que surgen en el visionado del film acaba de sobrecoger y demoler el ánimo del espectador, que en los minutos finales por fin puede entender todas las motivaciones de los personajes durante la película antes de enmudecer por el majestuoso final.

"Martyrs" es la viva muestra que con poco dinero, menos de 3 millones de euros de presupuesto, mucho cariño por el género, ansia de renovación y ningunas ganas de censurarse pueden hacerse cosas maravillosas en el cine de terror, un género poco exigente pero cuyas obras excepcionales son fácilmente identificables. Difícilmente veamos en España su estreno en cartelera, algo que me resulta muy absurdo aunque comprensible ya que no todo el mundo está dispuesto ni preparado para soportar tanta brutalidad, pero en todo caso sería un indicativo de buen hacer por parte de las distribuidoras (respetando sobre todo el sentido del título "Mártires", una palabra importantísima en el film), aunque de momento tendremos que aguantar con la versión original en francés. Este film francés creo que forma parte de ese grupo de obras extraordinarias que en Europa están tomando las riendas de la nueva corriente del cine de terror, como la comentada "À l'Intérieur", "Alta Tensión", "Frontière(s)" (que aún tengo pendiente) y otras producciones francesas que se concentran en causar malestar y repugnancia en el espectador con excelentes resultados. Creo que ya se está preparando el remake americano, como no, pero dudo mucho que tenga la frescura de esta película de Pascal Laugier que ha vuelto a conseguir, como lo hicieran y hacen otros directores de su quinta, dirigir y escribir una película que no tiene nada de novedoso pero que gracias a su estilo y ganas se ha convertido en un polémico éxito y una revitalización del género. Quizá es lo que necesite ahora el cine de terror: polémica.

Mi puntuación: 8/10.

"Gran Torino", vuelve Harry el Sucio.

Clint Eastwood no nos da respiro, el tipo duro por excelencia da la cara por (presunta) última vez.

Una de las últimas grandes películas del año pasado fue "El Intercambio", estrenada a finales de diciembre, dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Angelina Jolie; en una cifra récord, menos de tres meses después, el gran Clint Eastwood vuelve a la carga con otro drama: "Gran Torino", esta vez de corte mucho más humilde y con él mismo como protagonista absoluto, y de nuevo para no variar ofrece otra lección de cine en lo que parece una especie de auto-homenaje disimulado que está provisto de una gran dosis de nostalgia: vuelve el tipo duro por excelencia, pero lo hace como si ya estuviera apartado de todo, aislado en su barrio y en su casa, cansado de la vida. Ya hablé del talento del actor y director en aquella película a principios de este año y sería redundante volver a hacerlo así que me centraré en lo que ha supuesto "Gran Torino"; para empezar es la propuesta modesta que contrarresta con la ambiciosa "El Intercambio", cuyo presupuesto fue de $55M (algo no tan "ambicioso" como podría parecer) que le retribuyeron una taquilla de $100M nada desdeñable, pero sorprendentemente ha sido "Gran Torino" la que con menos inversión ($33M de presupuesto) ha conseguido unas ganancias mucho mayores, $160M de recaudación, cifra que sigue aumentando día a día y que además ha recibido el soporte rotundo y categórico de la crítica y del público, en uno de esos peculiares casos donde los dos ámbitos consiguen ponerse de acuerdo y reconocer los méritos de un film. Esta es una de esas películas que le ayudan a uno a recordar por qué ama el cine.

"Gran Torino" es principalmente un drama, la historia se centra en Walter Kowalski, un veterano de la Guerra de Corea de carácter amargado, apático, muy racista y chapado a la antigua, que vive con su perra en un barrio residencial habitado casi en su totalidad por emigrantes asiáticos y que no tiene ningún interés por la vida tras la reciente muerte de su esposa. El que sea un drama no significa que sea un film que no haga reír, si algo hace "Gran Torino" es divertir al personal, toda la sala de cine (llena hasta los topes como pocas veces la he visto, por cierto) se rió y divirtió con el carácter y los constantes desprecios de Walt, sinceramente está muy cerca de ser una comedia en muchos puntos pese a su tono serio debido al gran carisma del actor y la forma de perfilar su personaje. El hilo argumental es principalmente dramático, centrándose en los sucesos de los vecinos de Walt que reciben el acoso de una panda local de su propia comunidad hmong (una etnia montañesa de Vietnam, conocida también como miao) y en cuyos asuntos Walt también se ve involucrado cuando se les ocurre la desastrosa idea de tocar su coche, un Ford Gran Torino del 72' que tiene desde hace 35 años y que es su mayor tesoro, símbolo del espíritu americano que tanto añora y adora. Una frase que dice Walter en el film define a la perfección el argumento en parte: «¿Sabes aquello de que algún día puedes cruzarte con alguien a quién no deberías haber jodido? Pues ese soy yo.», el veterano no se amilana ante la presencia de peligrosas pandas que creen ser los amos del barrio dónde él lleva viviendo décadas, sean de la etnia que sean, y no duda en plantarles cara y darles lecciones de comportamiento en suelo americano. El personaje de Walter Kowalski está perfectamente construido, desde el principio conocemos mucho de él por pequeños gestos (absolutamente geniales los gruñidos guturales que durante toda la película emite) y por las muestras de su carácter que no esconde ni disimula en ningún momento; vive en terrero desconocido, a pesar de estar en su propia casa se siente un extraño rodeado de extranjeros y ni siquiera su familia le resulta confortable ya que éstos no le conocen ni entienden en absoluto. Estas condiciones propician que acabe acercándose a sus vecinos hmong a raíz de un incidente y poco a poco el malhumorado y xenófobo Walt se sentirá arropado por los demás y mejor consigo mismo, lo que le dará una oportunidad de volver a sentirse vivo y comenzar de nuevo.

La actuación de Clint Eastwood es el 75% de la película, a sus casi 80 años vuelve a la carga cuatro años después de su última interpretación en "Million Dollar Baby" (por la que recibió su segunda nominación al Oscar como actor) y esta vez vuelve a ser grande, el gran Eastwood que adoramos, el tipo duro, una especie de Harry 'El Sucio' Callahan con unos años de más que ha forjado su carácter a lo largo de los años, alguien a quién parece imposible hacerle cambiar de parecer y que vive menospreciado por sus seres queridos. Desde el primer momento vemos en Eastwood una serie de matices que nos comienzan a dar un perfil completo y concreto de Walt, sus gruñidos como he comentado expresan toda esa disconformidad con su familia quienes no respetan siquiera el entierro de su esposa, tanto nietos como hijos, y más tarde se materializa esa distancia con su familia cuando se siente un forastero rodeado de su propia familia en su propia casa. La relación con sus hijos Steve y Mitch, interpretados por Brian Howe ("Atrápame si Puedes") y Brian Haley ("El Hombre que Nunca Estuvo Allí") respectivamente, es de completos desconocidos, Walt no los conoce a ellos y viceversa lo cual queda totalmente demostrado en el momento en el que Mitch y su esposa Karen, interpretada por Geraldine Hughes ("Rocky Balboa"), visitan a Walt en su cumpleaños para tratar de "ayudarle" enviándolo a una residencia de abuelos sin ser conscientes de que Walt se vale por sí mismo perfectamente (el momento del palo para coger cosas es brutal), cosa que también materializa el poco respeto que le tienen ya que lo único que desean es poder vender la casa y quedarse con sus pertenencias, incluido el Gran Torino que su nieta tanto ansía.

El actor refleja a la perfección la actitud cerrada ante la vida, la posición defensiva ante los suyos y los extranjeros para mantener la distancia; a la única persona a quien demuestra un poco de respeto es a su difunta esposa y también a su perra. No se deja pisotear por nadie sean lo jóvenes o peligrosos que sean, demostrando que el viejo Walt aún tiene mucha cuerda y mucha mala leche que gastar, y tampoco se deja engañar por la iglesia en la que evidentemente ha perdido la fe desde hace mucho tiempo, elemento representado por el joven padre Janovich (correctísimo Christopher Carley) que no ceja en su empeño de tratar de convencer a Clint que se acerque a él y se confiese, cumpliendo así el deseo expreso de su esposa antes de morir. El padre representa la perseverancia y muestra el conflicto de Eastwood con la iglesia muchas veces mostrada en su filmografía, y finalmente es el padre quien ofrece a Walter la posibilidad de darle a su vida otro punto de vista, hacer un balance entre la vida y la muerte y sopesar qué es lo que él conoce mejor; al fin y al cabo la película también explora ligeramente dichos conceptos e intenta darles sentido desde un punto de vista cerrado en banda desde el principio como es el de Walter. Sinceramente creo que Clint Eastwood debería haber estado también entre los nominados a Mejor Actor en estos Oscar, y en general no es comprensible como es que la película ha sido menospreciada así por la Academia (que no la consideró para ninguna categoría) cuando es evidente que ha sido de las mejores películas del año, una de aquellas obras maestras que sin ser perfectas cumplen su cometido con brillantez y talento.

"Gran Torino" expresa un cambio también en las generaciones y una diferencia entre las culturas; la abuela hmong vecina de Walt me parece uno de los personajes más interesantes del film sin mediar casi palabra, porque ella es el equivalente a él en la cultura hmong y representa el punto de vista del extranjero, que tampoco acepta al americano ni estando en su propio terreno. Es genial esa escena en la que Walt escupe con desprecio al suelo y la abuela le da una exagerada réplica, como notificando que el desprecio es mutuo y no piensa amilanarse. Ambas culturas tienen sus tradiciones, nosotros desde el punto de vista occidental podemos ver "ridículas" algunas de las de la etnia hmong, pero realmente la sensación que tienen ellos de nuestras tradiciones (el entierro de la mujer de Walt vs. el nacimiento del bebé hmong) es la misma. En cuanto a generaciones ambos también ven como sus hijos y sus nietos son diametralmente opuestos a ellos, ya no acatan con devota fe las tradiciones de los mayores y demuestran que este conflicto existe al margen de las culturas, en toda y cada una de ellas, y todo se somete a un proceso de adaptación al medio y a los tiempos que corren. Otro personaje cuya relación con Walt me pareció muy interesante es el del barbero, interpretado por John Carroll Lynch ("Zodiac"), una forma de mostrar el modo de vida de los que han crecido en EEUU y se aferran a los viejos tiempos, una especie de mirada atrás, nostálgica.

«Me han llamado muchas cosas, pero nunca gracioso.» dice Walter Kowalski en un diálogo de la película, y es que el guión de Nick Schenk (basado en una idea suya y de su compañero de piso Dave Johannson al descubrir la historia y cultura de los hmong tras la Guerra de Vietnam) tiene un alto componente de comedia pese a ser un film que nada tiene que ver con la risa. Durante las dos horas de película te ríes mucho, todo gracias al personaje de Walt y su trato hacia sus vecinos, por los que siente verdadera animadversión, y el constante desprecio hacia éstos y todos los que se cruzan en su camino, ya sean sus hijos o nietos, el padre Janovich o las bandas locales en quienes aplica toda su dureza. Pese a tener un claro tono racista y xenófobo los chistes, motes (uno tras otro) y actitud de Walter provoca una perenne sonrisa en el espectador («Quizá sea difícil de creer para alguien como tú , pero todas estas herramientas las he comprado con mi dinero.»), que contrasta totalmente con las situaciones más dramáticas y tristes, como la degenerativa tos de Walter (la escena en la que llama a su hijo es bastante demoledora), el asunto con la banda hmong y el acoso a Thao entre otras. Quizá el guión peca de ser algo predecible, pero el encanto que tiene la historia de "Gran Torino" está en que es una película bastante simple, que cuenta una historia trágica con muchos toques de humor camuflados que hacen que el film sea imposible de clasificar como comedia pero que te hace reír mucho, y que pese a ser una trama sencilla es bastante épica y heroica y sobre todo aleccionadora en cuanto a lo absurdo del racismo y la intransigencia. La película se hace grande gracias a los pequeños detalles, a los diminutos elementos que la convierten en una obra construida poco a poco con mucho cariño y tacto y a sabiendas de su humildad, y sobre todo de una grandísima clase gracias al toque cualitativo de Clint Eastwood.

El realizador vuelve una vez más a realizar una dirección sencilla y eficiente, sin grandes alardes pero potenciando algo que en la filmografía de Eastwood alcanza siempre el máximo nivel: la composición fotográfica (obra de Tom Stern, habitual de Clint), además de una música simple que acompaña la película de forma reservada pero presente. No hay nada que achacar a la dirección de Eastwood, sigue el patrón que se ha marcado en sus últimos films y continúa la línea ascendente que se ha marcado como director; recientemente dijo que "Gran Torino" sería el último film donde haría las veces de actor, en todo caso si esa etapa se cierra está claro que como realizador aún tiene muchas alegrías que darnos, aunque ya a día de hoy el nombre de Clint Eastwood se puede alzar definitivamente en la lista de los mejores directores vivos en la actualidad y desde hace muchos años. En esta película no ha compuesto la banda sonora como hiciera en "El Intercambio" (por la que recibió una nominación al Globo de Oro), y de hecho el estilo, utilizando mucho el piano, se parece bastante al suyo ya que es su hijo Kyle Eastwood quien firma la BSO junto a Michael Stevens (que también compusieron la de "Cartas desde Iwo Jima"), aunque no tiene la garra de las bandas sonoras del propio Clint. Lo que sí tiene es una gran canción final lenta cantada por el propio Clint Eastwood con su voz ronca y por Jamie Cullum, escrita por ambos junto a Kyle Eastwood y Michael Stevens y que sirve de perfecto colofón al plano final del film, y que recibió una nominación en los Globos de Oro que acabó ganando Bruce Springsteen por sus títulos de crédito en "El Luchador". Por cierto, el final de la película es absolutamente perfecto y maravilloso, uno de los grandes finales del año sin duda, tremendamente emotivo en su escena final.

"Gran Torino" se ha convertido en una de las películas imprescindibles de este 2009 (en España), una película que se sostiene en los pilares de la humildad, la sencillez, la clase y la capacidad para emocionar al espectador en un amplio espectro sentimientos. Clint Eastwood reafirma por enésima vez su talento y su estado de forma tanto artístico como físico, es capaz de imponer tanto respeto como en sus buenos años cuando interpretaba a Harry El Sucio o a cualquier pistolero de la saga de Sergio Leone, manteniendo intacto su carisma y regresando a los buenos tiempos del tipo duro y alejado de los convencionalismos; como director tampoco hace otra cosa que reafirmar su categoría y regalarse otro film de los que se seguirán hablando de aquí a muchos años, una película con actores desconocidos (la mayoría del reparto hmong no había realizado una película nunca, como los de "Slumdog Millionaire") y de un tono heroico excepcional. La crítica ya la ha alabado, y el público sigue coronándola, de momento ocupa el puesto #81 en el Top 250 IMDB, superando incluso a "El Intercambio" y representando lo que está gustando este film, una joya que deja claro que al bueno de Clint le quedan muchos días que alegrarnos con su cine.

Mi puntuación: 9/10.

Por cierto, este es mi artículo número 100 desde que comencé con Videa Bien..., ¡Cómo pasa el tiempo!

"Perdidos" [5x08] LaFleur.

Si en el anterior episodio conocimos lo que pasó con John Locke antes de la vuelta a La Isla de los 6 del Oceanic en este conocemos la parte importante de lo que sucedió con los que se quedaron. El octavo episodio de esta impresionante quinta temporada, "LaFleur" nos relata los primeros días de Sawyer, Juliet, Miles, Faraday y Jin y los más recientes en su estancia en La Isla en pleno 1974, cuando Locke se despidió por el pozo del tiempo, centrándose en la figura de Sawyer.

El episodio empieza con una grata sorpresa, no es una respuesta pero se aproxima a ello y es una prueba de que los guionistas se acuerdan de algunos detalles que los fans no olvidamos, como es la estatua del pie de cuatro dedos. Tras desaparecer Locke en el pozo, tanto Locke como Sawyer, Miles, Juliet, Jin y Faraday se transportan al tiempo en el que ni siquiera estaba construido, y en el cual el monumento del pie de cuatro dedos aún estaba en pie y no destruido, quizá en una época anterior en la que una civilización antigua dominaba La Isla. Supongo que mostrándonos esto los guionistas nos están diciendo que tienen intención de explicarlo más adelante. Sabemos algo: fuese quien fuese quien construyó el pozo (y podemos suponer también el templo del humo negro) es posterior a la estatua de cuatro dedos, por lo que es posible que dicha civilización no fuese la misma que la que construyó el monumento, y por lo tanto serían muchas las culturas y civilizaciones que han vivido en La Isla. O simplemente la civilización del monumento aún no había construido el pozo. Vemos, por fin, algo que lleva mucho tiempo en las mentes de los fans de la serie desde el final de la segunda temporada y uno de los grandes misterios de La Isla, ¿es egipcia la estatua, quizá? Tiene el pelo largo (o un velo), es gigantesca, lleva una especie de falda y en las manos (o solo en la derecha) porta algo así como unas asas, que coincidiendo con los constantes símbolos egipcios y referencias en la serie podría ser la cruz egipcia también llamada Ankh, que en algunas pinturas portaban en la mano dioses como Tot, Horus, Amón, Ra, Isis, Anubis o Maat, entre muchos otros (los símbolos hallados en el templo del humo negro tienen mucho que ver con los pájaros, la forma de simbolizarlos con jeroglíficos), de la misma forma que el monumento; no le vemos de frente pero parece tener dos orejas puntiagudas asomándole por la cabeza lo cual significaría que podría llevar una diadema o que no tendría rostro humano, como los dioses egipcios. Prestando atención a la cruz que más tarde vemos en el episodio parece tener una relación directa con dos aspectos que en la serie tienen mucha importancia, por un lado Ankh —o cruz egipcia— simboliza la inmortalidad que se le otorga a los dioses, la inmortalidad como vida tras la muerte, y esto es importante porque daos cuenta de que muchos han muerto en esta serie y muchos han parecido resucitar, es decir, encontrar la vida tras la muerte, lo que podría ser lo que nosotros entendemos como inmortalidad. Quizá por eso Alpert quería los cadáveres de su gente cuando Sawyer los mata, pero luego iré a eso. El Ankh se relaciona con la inmortalidad y la resurrección (la diosa Isis resucitó a su esposo Osiris utilizando la magia), aunque también se cree que la cruz representa la feminidad y masculinidad, de hecho se parece mucho al emblema actual del sexo femenino (y de Venus), y podría simbolizar la fertilidad, un aspecto harto importante en la serie desde los inicios, donde las mujeres que daban a luz morían. Resumiendo, podríamos sacar la conclusión a bote pronto de que en esa isla habitó una sociedad egipcia (recordemos la importancia de Túnez en la serie, situada cerca de Egipto, tan solo separada por Libia) y que en dicha isla tuvieron lugar mitos que más tarde atribuimos a la sociedad egipcia, como la inmortalidad o la divinidad. Quizá en aquella isla los egipcios descubrieron todos los poderes asociados al magnetismo y el misticismo y lo asociaron a los dioses que conocemos hoy en día, por lo que La Isla habría servido de inspiración y culto religioso a varias generaciones antiguas. Desde luego el monumento no es el Coloso de Rodas como se especulaba, creo que hay un vínculo definitivo con la cultura egipcia, remontándonos quizá a tiempos inmemoriales en La Isla (y digo quizá porque con esto de los viajes en el tiempo nunca se sabe, aunque estoy bastante seguro).

Tras ver la gigantesca estatua desde lejos Locke coloca la rueda en su sitio y La Isla vuelve a hacer un viaje en el tiempo, esta vez definitivo y más brusco, y el sangrado y dolor de cabeza se acaba para Juliet, Sawyer, Jin, Miles y Faraday. Se han transportado a 1974, época de pleno auge de la Iniciativa Dharma, y el pozo ha vuelto, solo que está tapado. Faraday lo clava con la explicación: el disco ha dejado de saltar, pero no están en la canción que quieren. Cuando vimos a Faraday al principio de esta temporada como trabajador de Dharma no es que hubiera viajado él solo a esa época antes de reunirse con los de La Isla como supuse, me equivoqué en mi hipótesis, lo que realmente pasa es que es ahora cuando viajan a los tiempos de Dharma y es ahora cuando sucede que Faraday se topa con la pared de La Orquídea tras la cual está la rueda del tiempo. No se sabe si esa escena es de 1974 o de los tres años siguientes, pero quizá estaban buscando esa rueda para volver a 2007, el tiempo que les corresponde.

Cuando hubo el segundo flash tras desaparecer Locke en el pozo el cadáver de Charlotte se esfumó. Parece que los muertos no viajan en el tiempo, es un dato importante. ¿Es por eso que no viaja Rousseau cuando Jin se encuentra con ella? Sawyer se convierte en el líder del grupo de Juliet, Jin, Miles y Faraday, y mientras se dirigen a la playa se encuentran en medio de la selva con dos hombres (dos "Otros") a punto de ejecutar a una mujer llamada Amy con su marido Paul, al que han matado los Otros. Por lo visto Amy y Paul han roto una norma que los de la Iniciativa Dharma y Los Otros tienen establecida, que es invadir el territorio ajeno, y Sawyer y Juliet matan a los dos hombres para defenderse y salvar a la mujer de una ejecución. Una vez a salvo Amy habla de una tregua que parece contemplar que deben enterrar a alguien de los suyos si los matan, por lo que los entierran en la selva y se llevan el cuerpo de Paul a los barracones. Sawyer intenta convencer a Amy de que eran náufragos y se dirigen hacia los barracones de Dharma para llevar el cuerpo de Paul; cuando llegan a la barrera sónica que rodea el campamento Amy hace ver que la desconecta, pero lo que hace es bajar la intensidad y ponerse unos tapones en los oídos para aturdir a Jin, Juliet (que da muestras de conocer la barrera), Sawyer, Miles y Faraday (muy afectado por la muerte de Charlotte). A pesar de que le salvan la vida Amy no se fía de ellos.

Se nos muestra de nuevo a un personaje conocido, Horace Godspeed, que parece ser el jefe de la Iniciativa Dharma, un matemático que trabaja en la estación de La Flecha. Horace es aquel por el que Ben mostró cierto respeto cuando realizó la purga, y también quién se le apareció a Locke en sueños cortando el mismo árbol continuamente para construir la cabaña de Jacob, en la que él y su esposa se tendrían que refugiar de la Iniciativa Dharma, y que más tarde lleva a Locke hacia Jacob. Horace interroga a Sawyer ya que los demás le identifican como el capitán del barco en el que naufragaron, y Sawyer se presenta como James LaFleur; es un timador, sabe mentir. Dice que estaban buscando en una expedición un barco de esclavos llamado "La Roca Negra" (en el que Sawyer mató al padre de Locke) y Horace dice no saber nada de dicho barco. Horace los quiere sacar de La Isla en el submarino, y le dice a Sawyer que no es válido para Dharma, lo cual es irónico porque tres años más tarde será el jefe de seguridad de la iniciativa Dharma. Faraday ve a Charlotte de niña en la Iniciativa Dharma, realmente nació o se crió ahí. Seguramente en esos 3 años Faraday le dijo a la pequeña en cualquier momento que no viniese a La Isla, evidentemente se lo diría tras estar aún en shock por ver su muerte reciente, por lo tanto se cumple que el tiempo es circular en este aspecto ya que Charlotte recordó a Faraday avisándole cuando era una cría. Efectivamente Faraday ha viajado al pasado y le ha avisado aún sabiendo que Charlotte volvería a La Isla 30 años después y moriría en ella, dijese lo que dijese Daniel. Por cierto, descartado que sea Charlotte la hija del Doctor Pierre Chang, ya que cuando Faraday llega a 1974 Charlotte es una niña de 4 o 5 años aproximadamente y no un bebé. Por lo tanto es posible que sea Miles, si es que tiene que ser alguien conocido por el espectador.

De repente aparece Richard Alpert en los barracones, sigue siendo joven, aparenta unos 40 años y lleva la misma ropa que en 1954 así que no ha cambiado de aspecto en 20 años, lo que me lleva a preguntarme por qué razón llevaba el pelo largo y aspecto mugriento cuando poco después conoce a Ben de pequeño en los 80' (como tarde), antes de realizar la purga. Alpert quiere hablar con Horace, de líder a líder, por lo sucedido con los dos hombres que Sawyer y Juliet matan y por la consecuente ruptura del la tregua. Sorprende ver como Alpert le dice a Horace que la valla no tiene ningún efecto en ellos (¿cómo es eso?), que quizá funciona con "otras cosas" (el humo negro) pero a ellos no les impide entrar en los barracones, y el único motivo por el que no entran es por la tregua. A Alpert le interesan los cadáveres de sus dos hombres, ¿es que puede revivirlos? ¿Por qué le interesa recuperarlos si no? Enlazándolo con el símbolo Egipto de Ankh y el concepto de resurrección que en La Isla está tan de moda es posible que Alpert en concreto, los otros/hostiles o algo mágico en La Isla sea capaz de devolver la vida a quien quiera, por eso quizá quieran tener los cuerpos, para darles vida de nuevo tras la muerte, como Locke y como Christian. Horace ordena que La Flecha se ponga en estado de alerta, preparados para un combate con los hostiles/otros, pero Sawyer se ofrece para hablar con Alpert, que por supuesto no le conoce (aún). En 1954 Alpert y Sawyer no llegan a coincidir, y el hecho de que no le conozca reafirma la teoría que Alpert no viaja en el tiempo, cosa de la que estoy al 99% seguro a estas alturas. Sawyer se responsabiliza por la muerte de sus hombres alegando defensa propia y le intenta explicar que no es miembro de la Iniciativa Dharma por lo que no se ha roto ninguna tregua. Para probárselo le cuenta a Alpert exactamente lo que pasó en 1954 y le dice que espera la vuelta de John Locke, lo que deja a Alpert convencido de que no es de la Iniciativa Dharma pero igualmente necesita justicia para su gente por lo que le pide además de los dos cadáveres de su gente el de Paul. ¿Querrá resucitarlo y reclutarlo? ¿O simplemente es una ofrenda para igualar las muertes? Luego Alpert se va, y me queda la duda, ¿habrán mantenido el contacto Alpert y el grupo de Sawyer durante estos 3 años? Por cierto, Paul llevaba un colgante con la cruz de Ankh, que se queda Amy de recuerdo. Me suena haber visto esa cruz en algún episodio pero no consigo acordarme... Por el favor que le hace Sawyer por apaciguar los ánimos con Alpert Horace le concede quedarse en La Isla un par de semanas, de ahí que luego se pueda quedar y al cabo de tres años lo vemos como jefe de seguridad de la Iniciativa Dharma. Juliet se quiere ir de La Isla, aunque aún no exista nada de lo que ella conoce, pero Sawyer le convence para quedarse lo que luego se convierte en un predecible y evidente romance.

El episodio ha ido saltando de 1974 a 1977 (en cuanto a narración, nada de viajes temporales), aunque yo estoy tratando de analizarlo linealmente. Sawyer, Juliet, Jin, Faraday y Miles llevan ya 3 años en La Isla, en 1977 un par de trabajadores de Dharma Phil (que ya pudimos ver en 1974 trabajando en seguridad) y Jerry observan por un monitor como un ebrio Horace dinamita árboles cerca de la barrera. La estación donde están no la habíamos visto hasta ahora y es una con el emblema de una estrella, la encargada de seguridad de la Iniciativa Dharma. Ambos temen avisar a su jefe, un tal LaFleur al que le tienen miedo, y ese no es otro que Sawyer (sinceramente no ha sido una sorpresa tan grande como nos querían hacer ver, ya que tras ver a Jin con el mono de Dharma era evidente que Sawyer & cía. habían pasado 3 años bien establecidos en la Iniciativa Dharma) que consiguió ganarse el favor de Horace y terminando como alguien importante en Dharma. En seguridad también trabajan Jin (que ya habla inglés con fluidez tras tres años de inmersión lingüística) y Miles (se hace llamar Enos), mientras Faraday es un obrero y Juliet mecánica, en una estación en la que se encargan de construir las furgonetas, una con el emblema de Dharma con una llave inglesa en su interior. Hay cantidad de estaciones que desconocemos aún, y parece haber una para cada pequeña función. Sawyer, bien afeitado, llevan a Horace a su esposa, que ahora es Amy. Parece que Horace ocupó el puesto de Paul cuando murió. Por cierto una curiosidad, a Amy la interpreta la actriz Reiko Aylesworth, muy conocida por ser Michelle Dressler en "24". Amy está embarazada, y Horace se emborracha por encontrar el colgante de Paul 3 años después de su muerte, lo que despierta sus celos a pesar de estar muerto; esa es la razón por la que empieza a hacer tonterías. Amy se pone a parir, es llevada a la conocida estación de El Bastón donde fueron llevadas Claire y Sun, y ante las dificultades del parto (el bebé viene de nalgas) el doctor se ve incapaz de asistir el parto. Sawyer acude a Juliet para que ayude a dar a luz al niño y finalmente consigue vencer sus miedos, durante años ha estado tratando de impedir que las madres mueran al dar a luz por los problemas con las embarazadas en La Isla, pero parece que finalmente lo que las mata no hace efecto en Amy, que da a luz sin problemas a un niño. Estamos en 1977, así que en 2007 ese niño tendría 30 años. ¿Es posible que estemos ante alguien conocido? Un dato importante acerca de las embarazadas, el doctor que atiende a Amy dice que normalmente las que van a parir salen en submarino para hacerlo fuera de La Isla, por lo tanto es posible que lo que hiciera que éstas murieran ya tuviese efecto en La Isla, ¿entonces por qué Amy no muere?

Durante estos 3 años han pasado algunas cosas por lo visto, Sawyer parece el líder del grupito, él y Juliet son pareja y el grupo no ha dejado de buscar a los suyos en ningún momento, rastreando La Isla por zonas. Cuando Sawyer le comenta a Horace que ha sido padre, éste le explica el porqué ha bebido y le cuenta lo del ex marido de Amy. La discusión de la muerte de Paul le hace recordar a Sawyer que hace 3 años que dejó atrás a Kate, y ya no se acuerda de ella por que el tiempo y Juliet le han curado de su mal de amores. Sin embargo a la mañana siguiente Jin le llama para avisarle que Jack, Kate y Hurley están de vuelta, por lo que se confirma lo que ya era evidente, Jack, Kate y Hurley, y presumiblemente Sayid y Sun, han viajado en el tiempo a 1977 cuando el Ajira 316 se acercó a La Isla y desaparecieron en una luz intensa. El reencuentro de Sawyer con Kate es impactante para ambos. Por cierto ¿conoceremos por fin qué es lo que Sawyer le hizo prometer a Kate cuando saltó del helicóptero?

Y eso es todo lo que nos ha ofrecido el episodio, mucha información en forma de semi-respuestas, una buena costumbre que están adoptando los guionistas, y en el próximo episodio titulado "Namaste" (que se de aquí a dos semanas) seguramente seguiremos viendo lo que pasa en 1977, y sobre todo espero que expliquen una gran incógnita que espero no se olviden, ¿seguirá llevando Faraday la corbata 3 años después? Espero que sí, espero que sí...