domingo, 27 de abril de 2008

"Perdidos" [4x09] The shape of things to come.

En este blog podréis descubrir mi pasión por "Perdidos" y mi afición por desgranar cada episodio para intentar sacar todas las respuestas posibles a los mil y un misterios que provoca la serie (y cuando digo mil y uno no me quedo corto). Normalmente en el foro de CineActual.net intento sacarle partido a los episodios y llevo haciéndolo desde la tercera temporada, pero pondré por aquí también lo que queda de cuarta temporada, que no es mucho —creo que habrá hasta 13 episodios de los 16 previstos debido a la huelga de guionistas en EEUU— y ya cuando empiece la quinta pues me pondré también, pero queda mucho hasta entonces.

Comenzaré con el análisis del noveno episodio de la cuarta temporada, "The shape of things to come", que en mi humilde opinión ha sido sin duda uno de los mejores de la temporada, y junto al quinto de esta misma sesión, "The constant", uno de los mejores de la serie. Ojo, porque cuando hable de los episodios lo haré con SPOILERS, es decir destriparé por completo el episodio, esto es que supondré que habréis visto el episodio antes de comenzar a leer. Por si acaso alguien no ha caído sigo la serie al mismo tiempo que la emiten en EEUU, no como en España. Vamos a darle caña...

Un episodio realmente espectacular. Se puede dividir en tres partes, la primera y menos interesante la del grupo de Jack, la segunda y mucho más interesante la del grupo de Locke y Ben en La Isla, y la tercera y sublime la de Ben en el flashforward.

La parte de Jack y su grupo creo que ha sido más que nada de relleno, simplemente vemos como el Doctor del barco aparece muerto en la playa con la garganta rajada de lado a lado, y Faraday intenta cubrir el hecho de que en el barco crean aún que el Doctor siga vivo... o eso le han dicho por el mensaje («¿De qué estás hablando? El doctor está bien.»). Y por fin ha confesado que NO han venido a La Isla para rescatarlos. Además Jack tiene un extraño dolor de barriga que parece que va a peor. ¿Es posible que sea la enfermedad de la que hablaba Rosseau, o aquella era la confusión creada al entrar/salir en La Isla como le pasó a Desmond o Minkowsky?

Más interesante ha sido lo que ocurría en La Isla en el grupo de Locke. Al principio estaban muy tranquilos jugando al Risk, por cierto una frase que a mi me ha resultado interesante: «No puedo creer que estés regalando Australia. Australia es la clave de todo el juego.» ¿Tendrá la inocente frase de Hurley algún significado oculto? Australia suele ser un punto batante inútil en el juego, yo diría que el que más a no ser que lo que quieras sea parapetarte ahí. Fijáos también que Sawyer ataca Siberia... ¿nadie se acuerda ya de la pareja de portugueses del final de la segunda temporada?

A todo esto Alex es tomada como rehén por los asesinos de Rosseau y Karl, el escuadrón enviado por el barco de Charles Widmore, y es obligada a introducir el código de la barrera de ultrasonidos que aparentemente acabó con Bakunin tiempo atrás. Ese código activa una alarma que avisa a Ben mediante un código de evasión (14-J) como ya hicieron la vez que Juliet activó el mismo código (1623) para evitar que el humo negro las atacase a ella y Kate (episodio 15 de la tercera temporada, "Dejada atrás"), lo que le da ventaja para actuar o huir. De repente vemos como Ben, que en teoría está cautivo, toma el mando de la situación, coge una escopeta de debajo de su asiento —por lo que vemos que vemos que realmente se "deja capturar" o deja que Locke y los demás crean que lo tienen cautivo— y comienza a dar órdenes para evitar que lo capturen. Este episodio perfectamente podría haberse llamado "Cómo Ben vuelve a demostrar que es uno de los mejores villanos de la historia de la TV". Si Ben tiene algo es la habilidad para hacer que todos bailen a su son. No es que los demás sean tontos y él se aproveche de la situación, sino que tiene el don de analizar a la gente y ponerla en una situación tan extrema que la única solución viable sea la que a él le favorece, que la misma gente a la que manipula sea la que elija ser manipulada para poder salirse benecifiado tanto Ben como su "víctima".

El escuadrón ataca al campamento de Los Otros, en el asedio al campamento de Los Otros vemos como mueren por lo menos tres 'Losties' y como casi lo hacen Sawyer y Claire, a la que le vuelan la casa por los aires.

Vemos como Ben, como siempre, tiene la situación controlada pero de repente parece ser que hay un factor con el que no contaba, que es que su hija pueda morir. El hecho de que alguien importante muera parece afectarle como nunca lo habíamos visto, o eso o el hecho de que suceda algo con lo que no contaba. No se si pensar que la reacción de Ben se debe a perder a su hija o a que pase algo que no ha podido controlar, de la misma forma que el niño consentido ve como no recibe su capricho cuando y como él quiere. Vemos de nueva la faceta de Ben como líder espiritual de Los Otros cuando dice que toda su gente está preparada para morir por él. Es extraño la importancia que tiene en el grupo, y más teniendo en cuenta que Ben no es un auténtico nativo de La Isla.

Ha habido una frase importante tras el hecho traumático de perder a su hija, «Ha cambiado las reglas.» dice, refiriéndose a Charles Widmore. Parece ser que no entraba en la ecuación la pérdida Alex, lo que vemos que más tarde obsesiona a Ben hasta el punto de buscar venganza fuera de La Isla. Por cierto, descubrimos por fin (si no es otra mentira más de Ben) que Alex fue secuestrada de una mujer loca, Rosseau, cuando era un bebé, como ya ha ido haciendo con otras embarazadas en La Isla y como quisieron hacer con Aaron. Definitivamente Ben no es el padre biológico de Alex, a pesar de que ésta le reconocía como tal. Otro personaje más que muere, y van unos cuantos en los dos últimos episodios.

La muerte de su hija provoca en Ben una reacción despesperada e inesperada, se ha metido en su despacho secreto y ha entrado en una puerta muy antigua, que parece que lleva ahí más tiempo que la misma Isla.

Los símbolos se ven mal pero se pueden destacar los de la imágen central, parece un hombre junto a un pez, una cruz, una especie de esfera u olla y un rasguño en la pared semejante a una lambda. Indescifrable por ahora. El resto se ve borroso y poco claro. Pero por las consecuencias que trae este acto podríamos llegar a deducir que es una especie de templo, sala de control o de invocación para llamar al famoso Humo Negro, sin duda la aprición más bestial de todo el episodio.

Yo me he quedado con cara que se ha quedado Miles, el asiático, boquiabierto. Enseguida Locke ha preguntado a Ben cómo ha conseguido llamar al "monstruo de humo", que vemos que elimina completamente al escuadrón, pero éste le responde que no sabe nada del humo. Vemos dos cosas, primero que el humo negro recibe órdenes de alguien ya sea Ben o Jacob o un panel de control, y tiene capacidad de obeceder órdenes y de ser "invocado" a placer, y segundo que Ben vuelve a mentir, sabe qué es el humo pero no quiere decirlo. Lo próximo que estará tramando es alguna trampa con referencia a Locke y Hurley.

Por cierto, vemos a Ben llorando con bastante sinceridad frente al cadáver de Alex, y no tiene porqué actuar ya que no hay nadie alrededor mirándolo (y atención al detalle, el humo negro por ahí reventándolo todo y él está tan tranquilo, parece no temerle). Al final vemos como Sawyer se cansa de tanto misticismo y misterio y quiere volver a la playa con Jack. Se entera de la existenia de Jacob pero un hombre pragmático como él pasa de historias, quiere sobrevivir como siempre ha dicho y prefiere volver con Jack a tener que soportar las locuras de los dos hombres de fe. Sawyer es un personaje que no entiende de ciencia o fe, simplemente se apunta al carro que mejor le viene para tirar adelante. Se lleva a Miles, Claire y Aaron pero entonces surge una trifulca entre Locke y Sawyer por quedarse con Hugo. Por cierto, ¿os habéis fijado en el detalle de que sabemos porqué Locke siempre llama a Sawyer por su nombre, James, y no por el apodo? Sencillamente porque 'Sawyer' le recordaba a su padre, del que no quería ni oir hablar. Brillante el detalle de los guionistas. Pero siguiendo con el episodio tras un cruce de pistolas todo se calma cuando Hurley decide irse con Locke, pues también se siente interesado en encontrar la cabaña que le atormentó en el primer episodio de la cuarta temporada. Antes de irse Hurley le dice al protector Sawyer: «Vosotros volved a la playa. Tarde o temprano ya os alcanzaré.», cuando sabemos perfectamente que no volverán a verse en la playa ya que lo que nos dejó ver la conversación que tuvieron Jack y Hugo al final del primer episodio de la cuarta temporada, "The beginning of the end", es que no pudieron volver a hablar y se arrepintió de quedarse con Locke.

Pero la parte más interesante del episodio ha sido sin duda la del flashforward, que no sabemos que lo es hasta que no avanza el episodio, claro está. Comienza de forma espectacular con Ben despertando (en otro de los famosos y olvidados planos de ojos) en medio del desierto , humeante y desorientado, con vómitos y un corte en la manga. Lo más curioso es su atuendo, un chaquetón muy gordo con el símbolo de una estación desconocida de DHARMA y con el nombre de Halliwax, el famoso científico de los vídeos de instrucción Edgar Halliwax.

La aparición en medio del desierto del Sáhara me sugiere varias cosas, primero que aparezca en una nube casi imperceptible de humo, como si viniese de un ambiente muy frío (o muy caliente, pero el uso del chaquetón me invita a pensar lo primero), lo que podría ser una máquina del tiempo o de teletransporte con una refrigeración extrema (y en una estación desconocida de teletransporte o viaje temporal), o simplemente que venga de algún lugar helado como puede ser Siberia (de nuevo me remito al lugar de los Portugueses). Y aquí veo que hay dos posibilidades para explicar cómo ha llegado ahí Ben, la primera que efectivamente venga de un lugar frío o de una máquina que necesita una fuerte refrigeración, o la segunda que se ha equivocado de destino, ya que si en el lugar de origen no hace frío es inútil traerse un chaquetón si sabes que vas a acabar en medio del desierto del Sáhara. Otra cosa que me sugiere es que el hecho de teletransportarte o viajar en el tiempo trae consigo trastornos del cuerpo, de ahí los vómitos. Si habéis leído el libro de Michael Crichton (por enésima vez aparece el autor en mis análisis) "Rescate en el Tiempo: 1999-1357" en el que el hecho de viajar en el tiempo provocaba transtornos físicos como deformaciones incluso a nivel de órganos internos. Además en dicho libro las máquinas del tiempo utilizaban el recurso del agua para crear un ambiente ideal con el que viajar, y también podría requerir una fuerte refrigeración, lo que explicaría el chaquetón.

El corte que tiene en el brazo hace suponer que tuvo una pelea antes de "viajar" y tuvo que escaparse por la "máquina". Queda saber las condiciones por las que tuvo que huir o escaparse de La Isla, pero ya tenemos una de las respuestas de la temporada, que es el cémo salió Ben de La Isla. Quizá ya podemos saber también como Tom pudo encontrarse con Michael en Manhattan, usando el mismo "medio de transporte", quién sabe. Descubrimos otra faceta de Ben que desconocíamos, la de Jason Bourne.

En un momento se ha desecho de los dos árabes dejándolos completamente KO. Parece que también sabe defenderse, lo que me lleva a darme cuenta de la fuerza de voluntad que tiene Ben ya que se ha dejado apalizar muchas veces solo para conseguir engañar y manipular a su objetivo, para poder controlar la situación siempre hace pensar a su captor que no es Ben quien tiene el control, cuando en cualquier momento lo puede tomar, como ya hemos visto muchas veces en la serie.

En Túnez llega a un hotel donde parece tener reserva VIP a nombre de Dean Moriarty, el nombre del ficticio archienemigo de Sherlock Holmes, y dice a la recepcionista que no es la primera vez que está en Túnez, aunque haga mucho tiempo de ello (recordad que el esqueleto enterrado del oso polar que encuentra Charlotte está en Túnez). Entonces vemos un dato importantísimo, Ben pregunta la fecha en la que está, 25 de Octubre de 2005, es decir un año y un mes después del acciente del Oceanic 815. Aquí veo dos opciones plausibles, sabemos que antes de llegar al Sáhara Alex está muerta (más que nada porque busca venganza, pero ahora iremos a eso) y que los 'Oceanic 6' ya son famosos (porque lo ve por TV), así que ese momento es después de los 3 meses del accidente (los '6 del Oceanic' estuvieron en teoría 3 meses perdidos), después de navidad de 2004, por lo tanto las opciones son dos: que se haya transportado en el espacio al futuro en un momento determinado en La Isla y haya acabado en Octubre de 2005, o que solamente se haya teletransportado en el espacio el día 25 de octubre de 2005. Esta última opción me extrañaría porque sino no creo que hubiese preguntado a la recepcionista del Hotel el día y año que es. También está la opción de que viajara al pasado, es decir que en La Isla estuviesen más allá de Octubre de 2005, mucho tiempo después del naufragio del Oceanic 815 y viajara al pasado. También me parece poco probable. Otra opción más difícil de calcular es que el tiempo en La Isla transcurriese de forma completmente diferente al del exterior, por lo tanto aquí no sabremos cuando decidió teletransportarse. Porque desde luego lo que está claro es que se ha teletransportado. La conversación entre los dos árabes que encuentran a Ben en el desierto deja ver que no hay huellas y que la única explicación que encuentran para que él esté allí es que haya caído del cielo.

De repente aparece Sayid en la TV como uno de los '6 del Oceanic', en este momento sabemos que es un flashforward y que su mujer ha muerto, Nadia la mujer irakí que dejó escapar en Irak y con la que Sayid consiguió casarse tras estar 8 años buscándola. Si supiéramos el tiempo que pasó desde que dejó escapar a Nadia hasta que tuvo el accidente de avión podríamos saber cuanto tiempo transcurió hasta casarse con ella y por lo tanto cuanto tiempo como máximo estuvo en La Isla. Y aquí es donde recibimos la segunda respuesta de la temporada, sabemos por fin cómo acabó Sayid trabajando para Ben.

Vemos como Ben , ya en Irak, vuelve a utilizar sus tretas para que los demás trabajen por él. Un hombre de Charles Widmore, Ishmael Bakir asesinó a la esposa de Sayid (¿motivo?) lo que implica de lleno al irakí en formar parte de la guerra contra Widmore y le da la oportunidad a Ben de jugar esa baza. La pregunta es ¿porqué Widmore querría eliminar a Nadia, que le lleva a querer hundir a Sayid? Un detalle del funeral es que está escoltado por el ejército norteamericano...

Sayid, que descubre que Ben también está fuera de La Isla en el mismo momento en el que lo pilla haciendo fotos. Está desesperado, lo ha perdido todo y es un momento perfecto para que lo reculte Ben. La guerra contra Widmore comienza y lo primero que hace Sayid es vengar la muerte de su esposa. «No me digas que esta no es mi guerra.».

Bakir debía enviarle un mensaje de Ben a su jefe Widmore pero Sayid no le da la oportunidad, así que el mismo Ben tiene que ir a Londres para decírselo a la cara. Por cierto, la explicación que le da Ben a Sayid de como ha salido de La Isla es que cogió el bote de Desmond, el "Elisabeth" y navegó hasta Fiji donde luego cojió un vuelo. ¡Mentira cochina! Sayid se despide diciendo «Benjamin... ¿quién es el siguiente?», que podría ser perfectamente la chica de Berlín del tercer episodio, mientras un Ben satisfecho se aleja.

Ben se decide a ir a ver a Charles Widmore a Londres, en un hotel o caserón donde para acceder a la suite hay que utilizar una llave, y me he sentido igual que cuando El Arquitecto y El Oráculo de "Matrix" se pusieron a hablar, dos de los peces gordos de la serie cara a cara, momento para quedarse de piedra. Y mucha chicha hay en esta conversación.

Para empezar, podemos ver al fondo el cuadro de La Roca Negra, y en la mesita el omnipresente whisky McCutcheon 60. Dos viejos conocidos. La conversción no tiene desperdicio, podemos deducir que Ben y Widmore se conocen de antes, que Charles tiene pesadillas que quizá se deban a sus remordimientos, su preocupación por encontrar La Isla o vete a saber y que ahoga sus penas con su alcohol favorito, y que esperaba que Ben apareciese tarde o temprano. «¿Has venido a matarme?» le pregunta Widmore, pero Ben le dice que ambos saben que no puede hacer eso; no creo que sea por que no sea capaz, sino por que habrá algo que le impida hacerlo. Ben viene a vengar la muerte de su hija, y pese a que Charles remarca que fue él el que la mató y que le dice que lo conoce muy bien y que «todo lo que tiene se lo quitó a él» Ben promete que matará a Penélope, la prometida de Desmond e hija de Charles, para que sienta el dolor que siente Ben y para que desee no haber cambiado las reglas. Parece que para Ben "las reglas" son algo muy importante. ¿Con las reglas se refiere a la persona quién tiene el control?

Esta si que no la paso, que Ben quiera cargarse a la buena de Penny y su amor con Des es terrible. El último intercambio de frases es brutal:

«— Esa isla es mía, Benjamin. Siempre lo fue y lo volverá a ser.
— Pero nunca la encontrarás.
— Entonces supongo que la cacería ha comenzado para los dos.»

De lo que intuímos que Charles Widmore tenía algún trapicheo con La Isla que desconocemos, que quizá Ben dió un "gope de estado" y que ahora ninguno de los dos es capaz de volver a La Isla, lo que significa que para dirigirse a ella no es tan fácil como coger un barco e ir para allá, quizá cambia de localización aleatóriamente, quizá para encontrarla hay que buscar alguna clave, pero lo que está claro es que se abre la veda y su localización se convierte en una carrera entre Ben y Charles. Por lo tanto el método con el que Ben se fue de La Isla esta vez no permite regresar, otras veces parece que ha entrado y salido a placer, pero ahora parece que no hay vuelta por el mismo camino por el que vino. O eso o que cuando Widmore se refiere a "la cacería" se refiere a que él buscará La Isla y Ben a Penny. A ver quien llega antes.

Una semanita para el próximo, "Something nice back home", que si es la mitad de bueno que éste podremos seguir flipando. Episodiazo el octavo sin duda con un Ben grandioso, ofrece respuestas y da mucho juego para sacar información. Ojalá todos sean así.

viernes, 25 de abril de 2008

"Paprika", en los sueños y el anime todo vale.

Satoshi Kon saca el máximo provecho al complejo y gratificante mundo de los sueños.

De todos es sabido que el universo del anime es uno de los más ricos que puebla el mundo del cine, ya que en él se engloba todo tipo de géneros sin distinción. Este hecho sumado a la facilidad —y buena costumbre— que tienen los orientales en mezclar géneros dentro de una misma película y al hecho de que el mundo animado no entiende de límites físicos, generan una corriente alejada de la cinematografía americana que en la gran mayoría de ocasiones les permite una libertad creativa mucho mayor y unos resultados que superan en originalidad y espectáculo visual a una parte importante del cine. La última maravilla de Satoshi Kon es "Paprika", una película que precisamente tiene como eje argumental uno de los temas más jugosos a explotar en el cine animado, el mundo de los sueños y la fantasía. Y precisamente Kon es una buena elección tras ver de lo que es capaz en la mini-serie animada "Paranoia Agent" y en el sublime segmento "Rosa Magnética" perteneciente a la película "Memories" de Katsuhiro Ôtomo ("Akira", "Steamboy"), que aunaba tres cortos el primero de los cuales escrito por Kon narraba las aventuras de un trío de astronautas que se topaban con una especie de estación espacial abandonada fantasma en la que la fantasía se mezclaba con la realidad.

El guión de Satoshi Kon y Seishi Minakami (uno de los guionistas de "Paranoia Agent") está basado en una novela homónima de 1993 del veterano Yasutaka Tsutsui y nos sitúa en un futuro muy cercano en el que una compañía ha desarrollado un sistema con fines psico-terapéuticos llamado DC Mini que permite acceder a los sueños del paciente y por lo tanto explorar el subconsciente para tratar traumas y problemas psicológicos. Paprika es la personalidad que adopta Atsuko, la jefa del proyecto, cuando entra en el mundo de los sueños, una chica que parece dominar el uso del DC Mini y que lo utiliza clandestinamente para ayudar psicológicamente a sus pacientes introduciéndose en sus sueños. Pero alguien roba tres unidades de DC Mini y los utiliza para introducirse en los sueños de los creadores y manipularlos aún estando despiertos; los sueños de unos y otros comenzarán a mezclarse y fusionarse, y cada vez será más difícil distinguir entre la realidad y el sueño. Este guión tan de Philip K. Dick, mezclando historias reales y fantásticas da muchísimo juego y el surrealismo se apodera de la cinta cada vez que se muestran las preocupaciones y pensamientos de las "víctimas" del DC Mini, en un mundo donde todo es posible y nada está sujeto a las leyes físicas.

El que un operario del sistema pueda introducirse en la mente del paciente/víctima no tiene consecuencias como por ejemplo en "Pesadilla en Elm Street", donde si le ocurría algo a la víctima de Freddy en sueños también le pasaba en la realidad, sino que el sueño induce una especie de sonambulismo o coma que puede deteriorarle psicológicamente o inducirle a un estado de hipnosis en el que pueda realizar cualquier estupidez como suicidarse sin querer pensando que está en el sueño y no en la realidad. Desde ese punto de vista es bastante "realista", teniendo en cuenta que parte de una historia de Sci-Fi. El concepto de que cada víctima del ladrón de DC Mini se encuentre en un estado somnoliento y que todos puedan formar una red y compartir los sueños entre ellos es genial, un alarde de originalidad que demanda una gran atención por parte del espectador ya no solo para diferenciar cuando están soñando y cuando despiertos, sino para saber en el sueño de quién se encuentran. De hecho a mitad de película ya comienza a haber ese intercambio de sueños para ir poco a poco desencadenando los espectaculares últimos 20 minutos de la cinta donde la trama se destapa del todo y la fantasía y surrealismo toman todo el protagonismo. Un final brillante.

La música corre a cargo de Susumu Hirasawa, su segunda banda sonora tras "Millennium Actress" y que ya hiciera la de "Paranoia Agent". Ausente en los momentos que no hay acción cuando entra se hacer notar con ritmos animados y animados que ayudan a sentir el frenetismo de algunas escenas, con mención especial a la entradilla de los títulos, una espectacular escena tanto a nivel sonoro como gráfico. Digamos que la BSO no es constante pero si muy intensa. Un aspecto muy destacable de "Paprika" es el increíble dibujo, repleto de detalles de un nivel superior, con un estilo diferente al de Hayao Miyazaki por ejemplo pero con un nivel de detalle comparable. El juego de sombras, la animación de los personajes, su fluidez de movimientos, la coincidencia del sonido de las palabras con el movimiento de la boca, etc. todo está realizado con perfección por la compañía de animación Madhouse Studios, dibujante de series como "Trigun", "Death Note", "Paranoia Agent", y películas como "Perfect Blue" o "Metropolis". El mundo de los sueños puede ser muy complicado pero en esta película todo está bastante simplificado y no cae en el error de sobrecargar el escenario, siempre hay algún detalle en el que prestar especial atención y el espectacular colorido es la marca característica que define al film. Además el doblaje japonés es muy bueno como siempre, los nipones son unos especialistas en este tipo de interpretación (en mi opinión los mejores), por otro lado es normal ya que el cine de animación es una de sus más importantes especialidades, por lo tanto es lógico pensar que su doblaje está mucho más evolucionado que el del resto del mundo.

Si no me equivoco la película no se ha estrenado en España pese a ser de 2006, con excepción de algún festival de cine. La edición en DVD salió en España a finales del año pasado bajo el nombre "Paprika: Detective de los sueños", haciendo gala una vez más de la brillante manía de de las productoras españolas de añadir ridículos subtítulos al título original y mostrando su total desgana por este tipo de cine en una edición ausente de cualquier tipo de extra o parafernalia. Y es que en España aún no hay un mercado potente capaz de consumir este tipo de cine. Una verdadera lástima el no poder disfrutar de cada fotograma en una pantalla de cine porque realmente es del tipo de película que merece la pena ver en una sala y pagar sus 7€ correspondientes. Puro espectáculo.

Productos como este de alta calidad gráfica y sonora y con un guión atrevido, original y elaborado y que se atreva a romper con los cánones de la comercialidad es lo que hace falta en las salas de cine españolas. Y que se comience a hablar de ellas, que el cine de animación japonés es uno de los más potentes que existen, además de buenas series hacen buenas películas y es una forma de ver que no todo el cine son animalitos animados por ordenador. No digo que esté mal este tipo de películas, pero Hollywood ha caido en la repetición hasta tal punto de saturar al espectador. Ya veréis cuando los japoneses se pongan con la animación por ordenador, eso si que volverá a ser una revolución...

Evidentemente recomiendo a todos el visionado de "Paprika", un gran film de un director que hasta ahora está avanzando pasito a pasito pero de forma firme y contundente, sin prisa pero con calidad y la cabeza fría; si Satoshi Kon sigue con este ritmo puede convertirse en uno de los directores más importantes del género, y quizá igualarse a grandes como Hayao Miyazaki, Katsuhiro Ôtomo, Mamuro Oshii y demás clásicos del cine de animación oriental. Una película diferente, emocionante, muy espectacular y fantástica; una joyita.

Mi puntuación: 8/10.

miércoles, 23 de abril de 2008

"À l'Intérieur", ¡el cine de terror está VIVO!

Francia se alza de nuevo con otra contundente cinta salvaje y directa, puro cine giallo.

En los últimos años estamos viviendo una serie de revitaliaciones del género de terror, ese gran olvidado y castigado de la década de los 90 que está viendo como dos países europeos, en concreto Francia y España están esforzándose en volver a darle la categoría que se merece. El año pasado de España salieron dos grandes cintas como son "El Orfanato" y "[REC]", películas nada originales pero que funcionaron a la perfección. De Francia también salieron cosas muy buenas como "Alta Tensión" de Alexandre Aja que le dió un salto cualitativo a las cintas de terror slasher con una película muy decente, y aunque no fuese en Francia realizó uno de los mejores remakes que se han hecho en los últimos años, el de "Las Colinas Tienen Ojos" (2006) que ya dirigiera Wes Craven en 1977. Alexandre Aja mostró en ambos films un inusual destape a mostrar el puro salvajismo de los slasher, sin preocuparse por la censura. Muchísima sangre pudimos ver en ambas cintas, y en "À l'Intérieur" (llamada "Inside" en EEUU) otros dos realizadores franceses, Alexandre Bustillo y Julien Maury en su primera película, co-dirigen y guionizan otra cinta llena de hemoglobina, gore, sangre y brutalidad.

El argumento es simple: en Navidad una chica embarazada que vive sola recibe en su casa el asedio de una psicópata que parece conocerla. Así de simple, la viva muestra de que no se necesita más para crear una buena película de terror. Ya hemos visto muchas veces una película con este argumento, no es original ni llamativo pero la realización de los dos directores dándole ese atractivo de ser una cinta giallo forman un interesante cocktail explosivo si incluímos el factor gore, el más presente durante toda la película. Como digo, si me dijeran que la película se rodó en la década de los 70 en Italia me lo hubiera creido totalmente, no faltan los iconos de ese cine como el de la psicópata con guantes de cuero, mujeres bellas pasándolo fatal, música estridente, etc. y ese toque europeo que le queda tan "diferente" y por lo tanto es bien recibido.

Una palabra para definir la película es salvaje. No aconsejo a nadie que la vea tras haber comido/cenado ya que es muy posible que le siente como un tiro en el estómago; la película contiene tanta sangre que cada uno de los escenarios queda teñido de rojo, es muy bestia, no repara en mutilaciones, apuñalamientos, asfixias y tiros; el sufrimiento y la masacre están asegurados. De los escasos 80 y poco minutos que dura la cinta tarda en arrancar media hora, pero a partir de ahí se desencadena una bacanal de sangre imparable, sacándole un partido sensacional al simple argumento, introduciendo reveses sencillos y creíbles para que la psychokiller de turno pueda desarrollar su rabia asesina a placer. Me río yo de "Hostel" y de "Saw" en cuanto a gore, aquí es todo tan explícito que obliga a apartar la mirada de la pantalla, cada muerte es una recreación, cada corte es dolor en lo más profundo del estómago. Algunas veces, sobre todo al final, cometen el error de dejarse llevar un pelín demasiado y caer en lo bizarro, pero aún así la brutalidad y contundencia del film es la que le da un toque especial y la diferencia del resto de cintas de terror actuales.

Un pequeño apunte negativo que tengo que darle —tampoco nada alarmante— es uno de los puntos del final de la cinta, demasiado bizarro hasta para ella, en el que las cosas se vuelven algo inverosímiles (y no, no me refiero al final de todo). Y acerca de los últimos minutos de cinta decir que es de lo más estremecedor que he visto nunca, un final tan gore, desagradable y salvaje como inquietante en su última escena, una imágen tétrica que cierra un film angustiante.

Su éxito en los festivales en los que se ha proyectado ha sido notable, en Sitges consiguió llevarse el premio Carnet Jove Jury Award a las dos intérpretes protagonistas. Y precisamente ayer se proyectó en el Festival de Cine de Tarragona REC08 y volverá a hacerlo el sábado que viene.

No es otra película más de terror, es una de las películas que forma parte de esta nueva oleada de películas que están intentando resucitar —más que renovar— el género del terror y que en los últimos años están recibiendo una respuesta muy buena del público y de los aficionados al género. No es nada nuevo, no es algo rompedor, pero es absolutamente eficaz en lograr su objetivo, hacer pasar un buen rato pasándolo mal. Repito, aconsejo verla sin haber comido nada antes.

La próxima película a la que estar atento: "Mirrors", de Alexandre Aja con Kiefer Sutherland. Veamos que tal se le dan a Aja los fantasmas.

Mi puntuación: 8/10.

jueves, 17 de abril de 2008

Stanley Kubrick, una visión única.

«Un hombre escribe una novela. Un hombre escribe una sinfonía. Es esencial para un hombre hacer una película.»

Stanley Kubrick es sin duda uno de los directores más importantes de la historia del cine. Durante toda su vida realizó películas que abordó como obras únicas y personales, siempre con un estilo propio muy acentuado que servía como distintivo de su forma de hacer cine. Era particularmente espectacular en su forma de rodar, siempre prestando especial atención a cada pequeño detalle, ganándose incluso fama de obsesivo y resultando muy difícil trabajar con él. Debido a todo esto se formó un mito de persona irascible, apática, dictadora, manipuladora y extravagante, pero Kubrick no era ese tipo de persona que los medios de comunicación de esforzaron tanto en crear, sino una persona amable, extremadamente educada, tímida y afable.

Kubrick siempre fue fiel a su estilo, y mantenía una máxima: «En el cine no se intenta fotografiar la realidad, sino fotografiar la fotografía de la realidad.». Esto es lo que le dijo a Jack Nicholson durante el rodaje de "El Resplandor" al dubitar éste sobre la veracidad de sus reacciones. A Kubrick le interesaba reflejar la parte atractiva de la realidad, la parte que podía interesar ver al espectador, y no tenía porqué ser fiel a esta. Pero empecemos desde el principio, pongámonos en situación para conocer mejor la obra de Stanley Kubrick, su origen y su contexto.

Nacido en el Bronx, en Nueva York, el 26 de julio de 1928 y de familia acomodada, desde pequeño Kubrick sintió pasión por dos aficiones: la fotografía y el ajedrez, además de sentir un interés profundo por el jazz. Gracias a una cámara que le regaló su padre comenzó a destacar a los 16 como fotógrafo para la revista "Look", cuando tomó una fotografía de un quiosquero llorando el día en que murió Roosevelt; ese día pasó de ser amateur a profesional. Aquel trabajo en la revista le sirvió para ganar experiencia y conocimientos en fotografía, que luego aplicaría a la cinematografía de sus películas, siempre cuidada y estudiada al máximo.

Ayudado por el dinero que obtenía de las competiciones de ajedrez, deporte en el que se defendía muy bien, pudo financiarse el rodaje de sus cortos comenzando por "Day of the Fight" en 1951, un pequeño documental sobre boxeo, un tema que le apasionaba y del que ya había realizado varias fotos. Más tarde dejaría el trabajo en la revista "Look" y bajo la producción de RKO dirigiría "Flying Padre" en el mismo año, que narraba un día en la vida de un sacerdote que viajaba con avioneta para dar sus sermones. Dos años después, en 1953, usaría por primera vez el color en su tercer y último corto documental "The Seafarers", y en ese mismo año rodaría su primer film del que luego renegaría por ser un trabajo "amateur", "Fear and Desire". La película sigue las vivencias de un grupo de soldados atrapados entre líneas enemigas en una guerra ficticia. El tío de Kubrick, farmacéutico, fue quien financió la película.

El dinero conseguido de este último film le permitió financiar su primera película como profesional, "El Beso del Asesino" en 1955. Esta película sirvió de puente para que algunas miradas se fijaran en el director neoyorquino, y más tarde pudo filmar una de sus primeras películas mejor consideradas, "Atraco Perfecto", en 1956. En este film con acentuado estilo "noir" comenzó a mostrar sus virtudes con la fotografía y demostró un uso prodigioso del montaje.

El éxito a nivel de crítica de "Atraco Perfecto" atrajo la mirada de Kirk Douglas y le llevó a rodar un film polémico (el primero de ellos) con un claro mensaje antimilitarista, "Senderos de Gloria" (1957). Esta vez el éxito de la cinta fue tanto de público como de crítica, lo que llevó a Kirk Douglas a contratarlo de nuevo en una película producida por él mismo, "Espartaco", en 1960, sustituyendo a Anthony Mann al que despidió por diferencias con el actor y productor. Kubrick realizó una de las películas menos personales de su carrera, pero a cambio recibió el beneplácito de taquilla, crítica y público que definitivamente le lanzaron al estrellato. A pesar de su carácter imponente, todos reconocían su talento y genialidad. Kirk Douglas, actor con el que filmó dos películas y con el que tuvo muchas discusiones, dijo sobre él al acabar el rodaje de "Espartaco": «Hay personas que tienen talento y otras que son una mierda. Stanley Kubrick es una mierda con talento.»

A partir de aquel momento Kubrick se prometió a sí mismo no volver a realizar ninguna película en la que no tuviera un control absoluto de cada uno de los apartados (en "Espartaco" no puedo participar en el guión, cosa que no volvió a ocurrir en su filmografía). Dos años después, en 1962, decidió adaptar una novela de Vladimir Nabokov, "Lolita", una película que fue fervientemente censurada por la iglesia católica, lo que dio más publicidad al film y consiguió un éxito total. La carrera de Kubrick avanzaba imparable y fruto del éxito en su colaboración con Peter Sellers surgió "¿Teléfono Rojo?, Volamos hacia Moscú", una película que pretendía ser una versión realista y en forma de protesta sobre la guerra fría que por entonces era encarnizada (estamos hablando de 1964) pero que acabó derivando en una comedia ácida que levantó ampollas acerca del aspecto político que abordaba el film. A pesar de ello, el film fue todo un éxito.

Debido a la censura que se aplicó a Kubrick en EEUU por "Lolita" y "¿Teléfono Rojo?, Volamos Hacia Moscú", decidió irse a vivir a Inglaterra, donde permanecería el resto de su vida y donde presumiblemente tendría una vida más privada, discreta y alejada del ajetreo de Hollywood.

La consagración definitiva de Kubrick llegó en 1968 con la realización de una de sus obras más célebres, "2001: Una Odisea del Espacio", una de las películas más reconocidas por la crítica, que a pesar de su difícil interpretación logró encaramar en lo más alto a Kubrick e incluso se le llegó a premiar con el único Oscar que tuvo en su haber a los Mejores Efectos Especiales. En esta película, basada en la novela "El Centinela" del célebre escritor de Ciencia-Ficción Arthur C. Clarke, los efectos se adelantaron a la época y consiguieron dejar boquiabiertos a público, crítica y taquilla que estaban acostumbrados a un cine de Ciencia-Ficción más cercano a la serie B, ofreciendo un arriesgado espectáculo sobre la evolución humana y la expansión espacial de nuestra raza, repleto de simbolismos y metáforas que no todos supieron entender ni apreciar.

La libertad creativa de Kubrick no tenía límites y la Warner Bros. le tenía entre algodones, algo que todo director de cine soñaría y de lo que pocos podían presumir, entre ellos Orson Welles. Fue después de "2001" cuando llegó su obra más polémica, "La Naranja Mecánica" (1971), adaptando una novela de Anthony Burgess que cuenta la historia de un chico con violentas aficiones, entre las que se incluye el maltrato, la violación, el asesinato, el robo y la lujuria. El film es el que mejor representó el espíritu cinematográfico de Kubrick, pero debido a unos altercados que surgieron durante los meses de proyección de la película en Gran Bretaña Kubrick se vio obligado a pedir a la productora que retirara la película de las salas de cine, y la prensa inició un ataque de acoso y derribo contra la persona del director declarándole incluso como culpable directo de la oleada de violencia que surgió en el país. Estos hechos endurecieron más el carácter de Kubrick y le llevaron más a cerrarse al exterior.

Tiempo después comenzó a preparar un ambicioso proyecto sobre Napoleón pero debido al fracaso de la película "Waterloo", que se le adelantó en cuanto a temática, tuvo que desistir del proyecto. Pero todo el trabajo de producción no se vio del todo desechado, ya que en 1975 Kubrick filmaría una de sus obras menos reconocidas pero más elaboradas, "Barry Lyndon" basándose en la época del proyecto de Napoleón. Utilizando unas técnicas de iluminación natural que marcaron un hito en la historia del cine, "Barry Lyndon" gozó de un extenso metraje y un pausado ritmo que ni la crítica ni el público quisieron aceptar, y la película se convirtió en un fiasco aunque con el tiempo se convertiría en una de las obras más apreciadas del director neoyorquino.

Hundido por las amenazas del IRA a Kubrick durante el rodaje y el fracaso de su último film, decidió esperar hasta 1980 para dirigir su siguiente película, "El Resplandor", basada en el relato del novelista de éxito Stephen King. Aunque al escritor no le convenció nada la versión de Kubrick, (años después él mismo crearía una miniserie de 3 episodios dirigida por Mick Garris), el film se convirtió en una película de culto para los aficionados al género de terror y en una de las películas más apreciadas por los fans del director.

Gracias a su clase, "El Resplandor" es considerado uno de los clásicos del género junto a otras obras como "El Exorcista" (William Friedkin) o "Halloween" (John Carpenter), Kubrick demostró que no tenía límites en cuanto a creación, se atrevió con muchos géneros incluido el complicado género del terror, y siempre aplicó su sello y enfocó la obra desde un punto de vista diferente. Su carrera estuvo llena de progresiones y supo entender qué es lo que necesitaba para cada película. En cuanto a los actores, a diferencia de lo que se piensa, les daba mucha libertad en la mayoría de las ocasiones. Shelley Duvall aceptó que trabajar con Kubrick en "El Resplandor" fue una de las experiencias más reconfortantes de su vida, y no se arrepiente de hacer aquella película a pesar de lo que sufrió rodándola, pero no repetiría nunca la experiencia. Kubrick, siguiendo su máxima de ofrecer al espectador una naturaleza interesante, dejaba a los actores que interpretasen sin ninguna directriz por su parte, para ver qué eran capaces de hacer, y una vez visto como se desenvolvían les daba instrucciones partiendo de lo visto para acercarse más a lo que buscaba. Aunque tuviera fama de tirano lo único que buscaba es que el actor le ofreciese a Kubrick lo que buscaba pero de la mejor forma que podía darlo, y eso a veces desesperaba a los actores que tenían que repetir las tomas decenas de veces, hecho que retrasaría la fecha de estreno de sus filmes constantemente pero que la productora, la Warner, era capaz de perdonar/sobrellevar. Durante el rodaje de "El Resplandor" Kubrick y Steven Spielberg se conocieron, ya que éste último usó los escenarios del Hotel Overlook para filmar su "Indiana Jones en Busca de Arca Perdida". Esa conexión daría años más tarde su fruto.

Después de "El Resplandor" Kubrick se dio un respiro. Durante ese tiempo el director se convirtió en toda una personalidad reconocida mundialmente, uno de los directores más importantes de la historia del cine pero que aún tenía un par de cartuchos que quemar. La guerra del Vietnam aún era un tema candente en EEUU y el director decidió volver de nuevo a un tema bélico por tercera vez, aunque esta vez no lo haría de una forma tan notoriamente antibelicista, ni en forma de comedia. En 1987 estrenó "La Chaqueta Metálica", considerada por muchos su mejor obra, y por muchos también una de las mejores (sino la mejor) películas bélicas de la historia. La película estaba claramente dividida en dos mitades, una en la que se muestra la crudeza de la instrucción de los soldados y otra parte en la que la guerra hacía estragos en los jóvenes ilusionados que se alistaron para defender su país.

Como siempre, Kubrick alargó y alargó el rodaje y otra película con similar temática se le adelantó, "Platoon" de Oliver Stone, como ya le pasara con "Barry Lyndon", pero Kubrick tiró para adelante su proyecto cambiando el guión sobre la marcha para acabar estrenándola un año después de "Platoon". "La Chaqueta Metálica" daría a la Warner el éxito comercial que necesitaba y Kubrick volvió a ofrecer una película de calidad que aunaba taquilla y crítica.

Antes de realizar la que sería su última película "Eyes Wide Shut", Kubrick tuvo en mente varios proyectos. Después de ver la película de su amigo Spielberg "Parque Jurásico" en 1993 supo que ya disponía de la tecnología necesaria para adaptar una novela de Brian Aldiss, "Supertoys Last All Summer Long", pero a última hora el proyecto se apartó y cayó en el olvido. Dos años después de su fallecimiento Spielberg rodó "Inteligencia Artificial" basándose en el proyecto que inició el mismo Kubrick.

Spielberg volvió a cruzarse en su camino pero esta vez con "La Lista de Schindler", proyecto que tenía muchas semejanzas con uno que tenía en el punto de mira Kubrick sobre la exterminación judía en la 2ª Guerra Mundial enfocada desde la perspectiva de dos judíos, "Aryan Papers". A Kubrick no le gustaba hacer una película que no fuera exclusiva y desistió del proyecto. En una entrevista respondiendo a la pregunta acerca de si "La Lista de Schindler" era una película sobre el holocausto judío, dijo: «El Holocausto es sobre seis millones de personas que fueron exterminadas. "La Lista de Schindler" es sobre seiscientas personas que no lo fueron.».

Doce años después de "La Chaqueta Metálica" realizaría la última película de su carrera, "Eyes Wide Shut", en 1999. La filmografía de Kubrick se caracteriza por ser poco extensa, pero fue en la segunda mitad de su carrera donde más se acentuó ese aspecto, tardando 5 años de "Barry Lyndon" a "La Naranja Mecánica", otros 5 hasta "El Resplandor", 7 hasta "La Chaqueta Metálica" y hasta 12 años estuvo descansando, buscando proyectos aquí y allá hasta toparse con "Eyes Wide Shut". Basándose en la novela "Relato Soñado" de Arthur Schnitzler, Kubrick adaptó un relato que abordaba la esencia espiritual del ser humano, como tantas veces hizo en su filmografía, trabajando con las estrellas Tom Cruise y Nicole Kidman que por aquel entonces eran pareja. Kubrick no quedó muy satisfecho con su película debido a la presión de la tan esperada vuelta, de la censura y de trabajar con "super-estrellas" y sus respectivos problemas; incuso llego a decir un par de semanas antes de su muerte en una conversación telefónica que «La película es una mierda [...] Estoy muy disgustado con ella, la crítica se me va a merendar.». Quizá solo lo dijera por la presión del estreno que estaba cerca, pero Kubrick no parecía satisfecho con el resultado final. No consiguió ver el estreno de "Eyes Wide Shut" ya que días más tarde de acabar el montaje del film, el 7 de marzo de 1999, Stanley Kubrick moría a los 70 años de un ataque al corazón mientras dormía en su mansión de Londres. Tuvo 3 esposas, la primera Toba Metz, la segunda Ruth Sobotka con quien tuvo a su hija mayor Katharina y la tercera y última Susanne Christiane con quien tuvo dos hijas más, Vivian y Anya.

Su muerte conmocionó al mundo del cine, y su legado se mantendrá a lo largo de toda la historia como una de las aportaciones fílmicas más interesantes que el séptimo arte ha recibido.

Hizo pocas películas en relación al tiempo que duró su carrera ya que en los casi 50 años de dedicación al cine rodó "solamente" 13 películas, no se puede decir que fuera un director prolífico. Su filmografía se compone de 13 largometrajes y 3 cortos. De su primer largometraje (más bien "mediometraje") llamado "Fear and Desire" ("Miedo y Deseo") pocas copias quedan ya que él mismo se encargó de eliminarlas todas por creer que no era un trabajo digno de formar parte de su obra al ser un "trabajo de aficionado", igual que pasó con sus tres cortos. Dirigió las siguientes películas:

Supongo que todos sabréis que IMDB tiene un TOP 250 de las películas más votadas por los internautas, que si bien tiene alguna que otra barbaridad, está repleta de muchos clásicos. Pues bien, según los internautas de IMDB las películas mejor consideradas de Kubrick son las siguientes:

  • Rank #025: "¿Teléfono Rojo?, Volamos Hacia Moscú" (1964)
  • Rank #042: "Senderos de Gloria" (1957)
  • Rank #046: "La Naranja Mecánica" (1971)
  • Rank #053: "El Resplandor" (1980)
  • Rank #075: "2001: Una Odisea del Espacio" (1968)
  • Rank #090: "La Chaqueta Metálica" (1987)
  • Rank #140: "Atraco Perfecto" (1956)
  • Rank #199: "Espartaco" (1960)
  • Rank #250: "Barry Lyndon" (1975)

Pero claro, esta lista es meramente anecdótica y cambiante y simplemente refleja parte de los gustos de un sector determinado. Sus primeros trabajos, cortos documentales, y su primer largometraje "Fear and Desire", fueron los pinitos de Kubrick como director, que si bien no son ninguna maravilla comenzaban a mostrar que Kubrick quería apuntar alto.

Todas sus películas tuvieron un gran impacto en su época, y en próximas entradas pasaré a analizarlas una por una, a excepción de "Fear and Desire" que no he podido encontrar en calidad aceptable, ni sus corto documental "The Seafarers". El que si que he podido ver es su corto documental "Flying Padre" de poco más de 8 minutos de duración rodado en blanco y negro en 1951, que muestra un día en la vida del Padre Fred Stadmueller, un peculiar cura que viajaba en avioneta para dar sus sermones a lo largo de la América profunda. Su calidad es meramente anecdótica, y el mismo Kubrick renegó de él igual que de sus tres cortos y dos primeros films. Tampoco analizaré su primer corto documental "Day of the Fight", de 16 minutos de duración que narra el combate real del boxeador irlandés Walter Cartier, el día en que se enfrentó a Bobby James el 17 de abril de 1950. También puramente anecdótico.

Próximamente ofreceré los análisis de sus 12 películas, estad atentos. Hasta entonces.

Me presento.

Buenas compañeros cinéfilos, habéis llegado a este mi blog, Videa bien... en el que intentaré plasmar cada reflexión cinematográfica que tenga. Intentaré analizar las películas que merezcan serlo, teniendo en cuenta que no entiendo de géneros, lo mismo disfruto con "La Jungla de Cristal" que con "Donnie Darko", con "La Gran Evasión" que con "Re-Animator", con "Deseando Amar" que con "Alien. El Octavo Pasajero", ya veréis que mis gustos son amplios así que no le hago ascos a casi nada. ¿Preferencias? cine de Serie B, Terror, SciFi principalmente, pero repito que no le hago ascos a nada. Algunas veces me pondré más serio, otras no, pero lo que siempre haré será disfrutar del celuloide y ofreceros mis impresiones.

Pero no solo hablaré de cine, también de series del panorama actual y pasado, series que quizá conocéis todos o solo unos pocos, pero que quizá merecen un análisis exhaustivo como "Perdidos", "Heroes" o simplemente mención especial como "The IT Crowd". Y es posible que hable también de algún que otro cómic o libro o dato curioso, según me de, quien sabe. Veréis como aquí encontráis cosas interesantes, no os arrepentiréis. ¡Nos leemos pronto!