martes, 28 de abril de 2009

"Ponyo en el Acantilado", el maestro sigue siendo el maestro.

Hayao Miyazaki vuelve a firmar una obra sublime, como sólo él sabe hacer. Y es que el que no falla no falla...

Mamoru Oshii ("Ghost in the Shell"), Katsuhiro Ôtomo ("Akira") e Isao Takahata ("La Tumba de las Luciérnagas") son nombres de algunos de los directores nipones de anime mundialmente reconocidos y que incluso son considerados maestros, sus películas siempre han sido rompedoras y han logrado la compleja tarea de traspasar las espesas fronteras de su país natal, Japón, hacia occidente. De entre todos estos maestros hay uno que ha conseguido por méritos propios obtener la categoría de director de culto, de ser un nombre que pasará a los anales de la historia como realizador de la mayoría de grandes obras maestras de animación tradicional desde hace 30 años hasta la actualidad y que siempre ha estado asociado a la calidad suprema: Hayao Miyazaki. Él fue uno de los fundadores (junto a Takahata) de uno de los estudios más famosos de cine en Japón, el Estudio Ghibli, que sería el equivalente al Pixar Animation Studios norteamericano y del cual han surgido una obra maestra tras otra; suya es la autoría de películas como "Nausicaä del Valle del Viento", donde realizó su primera gran obra maestra tras un largo esfuerzo para conseguir adaptar su propio manga, "Lupin III: El Castillo de Cagliostro", con el que dio un giro espectacular al personaje en su primer largometraje, "Mi Vecino Totoro", la entrañable historia de un par de niños y un simpático monstruo (donde siguió creando universos fantásticos bajo la aparente capa de realismo), "Porco Rosso", la fabulosa historia del cerdo volador donde dio rienda suelta a su afición por la aviación, "La Princesa Mononoke", la que personalmente considero su mayor obra maestra junto a "El Viaje de Chihiro", ambas de una originalidad e imaginación superiores a todo lo visto, un par de películas que son más que cine, "El Castillo Ambulante" donde continuó combinando magia y acción en la historia de la joven que es maldecida y transformada en una vieja y dos películas más que aún no he visto, "Nicky, la Aprendiz de Bruja" y "El Castillo en el Cielo", de las cuales no osaría dudar de su suprema calidad ni por un segundo.

El denominado "Walt Disney Japonés" tiene en su haber diez películas como director, y de las ocho que he visto no podría calificar a ninguna por debajo del sobresaliente alto; ver una película de Miyazaki por primera vez es una experiencia única en la vida, en cada uno de sus filmes es capaz de adentrarte en un mundo fantástico y diferente en cada ocasión, siempre logrando que la mente del espectador viaje más allá de la realidad y se olvide del mundo para enamorarse del universo de sus películas. Su magia es única y sus filmes tienen unos pilares básicos en los que sustentarse: un dibujo con un estilo muy definido (personajes del estilo de "Heidi", del cual fue uno de los animadores como también lo fue de "Marco") que marcó tendencia en cuanto a diseño de personajes y que respecto a los escenarios se sustenta en la saturación de detalles y el uso de multitud de colores vivos, dando a sus fotogramas el aspecto de preciosos lienzos de gran calidad y de una animación de movimientos muy fluida, unas historias entrañables enfocadas en la mayoría de películas en la fantasía, protagonizadas por niños en varias ocasiones y dirigida a los más pequeños con pocas dobles lecturas para los mayores, con la intención de introducirles en mundos olvidados y reproducir una bonita regresión a la infancia, una banda sonora épica y pegadiza siempre de la mano de Joe Hisaishi (excepto en "Lupin III: El Castillo de Cagliostro") y unas historias con un pequeño y casi imperceptible mensaje crítico acerca de la humanidad y su naturaleza agresiva con el medio ambiente.

"Ponyo en el Acantilado" tiene el nivelazo de "El Castillo Ambulante", que por cierto fue la primera película del maestro que vi (gocé) en el cine, y aunque esa categoría ya la define como obra maestra no acaba de alcanzar el nivel de obra sublime que tienen "La Princesa Mononoke" y "El Viaje de Chihiro", películas que marcaron época y considero que pertenecen a una liga superior e inalcanzable ya, fruto de la sorpresa y fascinación que me causaron en su día ("El Viaje de Chihiro" fue en concreto la primera película que vi del director y aún me dura la fascinación por aquel film). Es indiscutible su calidad y que la ponga por debajo de esas dos no significa sino que aquellas las considero películas perfectas, lo que no me impide darle un 10/10 a la historia de esta pequeña niña-pez que quiere tener un cuerpo humano para estar con su amigo Sosuke. El guión de Miyazaki esta vez es algo más infantil de lo habitual, del estilo de "Mi Vecino Totoro", nada que ver los brazos arrancados de cuajo de "La Princesa Mononoke" o padres convertidos en cerdos de "El Viaje de Chihiro", está claramente enfocado para el público infantil pero sin ser infantiloide, dejando margen para que un adulto pueda disfrutar del film convirtiéndose en un niño, no viéndolo desde la perspectiva de un adulto como pasa con otros filmes suyos o con la mayoría de Pixar. Aquí hay una regresión, no diferentes lecturas de diferente público. Si consigues dar ese paso y entrar en el juego el film te habrá ganado por completo, y será una suerte que eso pase ya que entonces descubrirás que Miyazaki es capaz de llevarte de la mano a los parajes más fantásticos y las aventuras más surrealistas y maravillosas que uno pueda imaginarse. Esta vez ha optado por explorar el mundo submarino, y de qué forma lo ha hecho... ha vuelto a crear sus propios seres vivos para un medio natural ficticio (que podría no serlo) mezclando animales reales (esa introducción con medusas es maravillosa, plácida) con animales prehistóricos y seres mitológicos, como dioses y demonios, o esas olas con ojos que me recordaron a los dioses que se bañaban en los baños termales de "El Viaje de Chihiro". Miyazaki vuelve a hacer alarde de su imaginación y de su puesta en escena y crea las más fantásticas figuras para un desfile de colores y luces que le dejan a uno planchado en la butaca, una vez más.

Había momentos que realmente han conseguido ponerme la carne de gallina y eso es un hecho que yo valoro mucho en una película porque significa que ha sido capaz de despertar sentimientos en mí de una forma u otra, y en este caso ha sido gracias a momentos en los que la imaginación del realizador ha encontrado su máximo exponente en escenas como la de la tormenta en el fondo marino, una explosión de colores y sonido que hipnotizan al espectador. Escenas como esa son la prueba de que "Ponyo en el Acantilado" no es una película solamente para niños, su ritmo pausado, típicamente oriental (y típicamente Miyazaki), su vertiente contemplativa (dan ganas que la película dure 3 horas para poder estar mirando esos preciosos cuadros eternamente) y su ligeramente complejo argumento hacen difícil que pueda clasificarse la película como una típica producción para críos, si es que alguien pudiera atreverse a tildar una película de Hayao Miyazaki como "típica". El argumento es sencillo, la idea es simple y cualquier puede entenderla, pero lo curioso del tema es que hay cosas que no creo que sea muy factible el querer que las entienda un niño; la película entra en el terreno surrealista en varias ocasiones introduciendo temas recurrentes en la filmografía de Miyazaki (que en este aspecto parece querer acercarse al concepto de Nueva Carne de David Cronenberg) como son la pérdida de la forma humana o el conflicto de la raza humana con la naturaleza. No digo que un niño no pueda entenderla, pero a cierta edad la más mínima complexión argumental se puede transformar en un obstáculo (la sala a la que fui estaba llena de niños y algunos hasta comenzaron a lloriquear en su tramo final), lo que para cualquiera que conozca la filmografía del realizador no supondrá ningún obstáculo, claro está. ¿Que puedes ir a verla acompañado de tus hijos? Sí. Pero yo no lo recomiendo. Y menos si eres occidental.

El estilo del dibujo de Miyazaki ha cambiado sutilmente, es algo más pastel de lo habitual, y se nota es la simplicidad de algunos trazos; realmente llega a abusar menos de la sobre coloración (que tanto gusto da experimentar) y aplica fuertes contrastes, pero su dibujo sigue siendo sublime, de lo mejor que uno puede ver gracias al talento y la experiencia acumulada del realizador, y es que en esta película logró su particular record de dibujos a mano para un film.

Parece que el personaje de Sosuke, protagonista del film, está basado en el hijo del director, Goro Miyazaki, cuando tenía 5 años y parece que ésta fue una forma de hacer las paces entre padre e hijo ya que tras realizar Goro su primera película para los Estudios Ghibli, "Cuentos de Terramar" —basada en una de las novelas de la saga de Ursula K. Le Guin— hubo algunos roces entre ellos (Hayao le recriminaba a su hijo la falta de experiencia además de existir el hecho de haber sido un proyecto que él mismo tuvo en mente hace años), que se solucionaron una vez se estrenó el film. Aprovecho para comentar que "Cuentos de Terramar" está muy bien realizada y me encantó, aunque se nota que Hayao no estaba tras el proyecto. Pese a eso su hijo parece que será un excelente discípulo. Siguiendo con los personajes hay que destacar la protagonista absoluta de la cinta, Ponyo, un pequeño pez hija de una Diosa con cuerpo de pez y cabeza humana que conoce a Sosuke accidentalmente cuando éste le ayuda al quedarse atascada en un tarro en la orilla cerca del acantilado donde él vive. A Ponyo le gusta estar con el pequeño Sosuke y aunque su malvado padre Fujimoto la tenga reclusa en su submarino ella quiere obtener la forma humana e irse a vivir a tierra firme, lo que al fin y al cabo es la historia que ya pudimos ver en "La Sirenita", y de hecho se plantean los mismos conflictos, abandonar la vida marina y toda la magia que la acompaña a cambio de vivir en la tierra y ser feliz con su chico, pese a que éste tenga 5 años, como ella. La historia de "amor", si se puede llamar así, es mucho más inocente claro, y se añade un factor algo más trascendental como es una catástrofe provocada por la ruptura entre los dos mundos, el marino y el terrestre, y dicha catástrofe es la que añade la máxima espectacularidad posible a la cinta, donde vemos las inundaciones del pueblo pesquero donde vive Sosuke con su madre Lisa que da lugar a persecuciones en coche (que tantísimo le gustan a Miyazaki y que tan bien se le dan como pudimos comprobar en "Lupin III: El Castillo de Cagliostro") y todo tipo de retos fantásticos y aventuras en barca, en coche o a pie. Ponyo es tremendamente entrañable, dan ganas de quererla y se convierte en la protagonista total, es graciosa y adorable sobre todo en su forma de pez, y eso que tampoco habla demasiado, pero francamente el realizador crea uno de los personajes más carismáticos, graciosos y (voy a decirlo...) "monos" que he visto en una película en mucho tiempo. Desde Calcifer (el fuego de "El Castillo Ambulante") o Totoro no veía un personaje así. El resto de personajes siguen los cánones de personajes adultos en las películas del director, como el villano de turno, presentado de forma majestuosa en la introducción en una orgía de colores inicial, la Deidad correspondiente que tiene que salir en todo film de Miyazaki de corte fantástico, las veneradas abuelas que parecen vivir una segunda juventud y las sufridas y cariñosas madres que ofrecen todo el apoyo posible a su inocente e ingenuo hijo. El diseño de los personajes es clásico, y los fluidos movimientos le dan ese inconfundible toque que no podría pertenecer a otra película que no fuera del director.

Otro de los componentes que hacen de "Ponyo en el Acantilado" una joya de la corona es su espectacular banda sonora obra del siempre fiel y siempre excelso Joe Hisaishi, que como he comentado ha musicalizado todas las películas del director con excepción de su primer film y en esta ocasión vuelve a crear una atmósfera mágica gracias a sus melodías y pistas que siguen los patrones de sus anteriores films, recordándome sobre todo a "El Castillo Ambulante" y manteniendo presente la pieza principal de la película durante toda ella en distintas versiones e intensidades, dotando de una personalidad completa a la preciosa Banda Sonora Original (que de paso recomiendo disfrutar en la gran pantalla mientras se pueda). Como curiosidad hay un tema que tiene toda la pinta de ser un homenaje a la "La Cabalgata de las Valkirias" de Wagner, titulado "Nami no Sakana no Ponyo". La música como ambientación es genial durante los instantes en los que no pasa nada, y en los momentos álgidos de acción es el acompañante perfecto para que la película aún consiga ser más bella, desde luego el tándem Miyazaki-Hisaishi es una de las mejores asociaciones cinematográficas de la historia, es como hablar de Sergio Leone y Ennio Morricone. Especial atención a los títulos de crédito del final (creo que es la primera vez en mi vida que veo acabar los créditos de una película en el cine) donde con un sencillo sistema de créditos y una gran animación podemos oír el temazo de "Gake no Ue no Ponyo" (traducido al español en nuestro país y con gran calidad, todo sea dicho de paso), el cual te sorprenderás a ti mismo cantando al salir de la sala... «Ponyo, Ponyo, Ponyo es una niña-pez, del mar ella ha venido, verás que guapa es...». Y hablando de traducción también es notable el trabajo de doblaje en nuestro país, un doblaje a la altura del extraordinario que suelen tener las películas de animación de Japón (aquello debe ser una profesión de élite porque la calidad es infinita) y que consigue no desvirtuar la cinta para nada, como en ocasiones pasa desgraciadamente. En EEUU como es habitual el doblaje de las películas de Miyazaki gozan de un reparto de figuras conocidas en su versión norteamericana, y en este caso han participado Cate Blanchett, Matt Damon, Liam Neeson y Tina Fey entre otros, lo que es un aval para el film en Estados Unidos.

Belleza. Esa es la palabra que define a "Ponyo en el Acantilado". Entrañable es lo que es, y definitivamente una maravilla de las que se echan de menos hoy en día en un cine de animación tan viciado como el actual, sobresaturado de films infantiloides y de animales; un haz de luz que le alegra a uno el alma y le recuerda lo precioso que es el cine de ese genio que es Miyazaki, lo bueno que es poder apreciar su cine y lo agradecidos que debemos estarle por seguir iluminando las salas con su amor por el cine. ¿Lo peor? Que solo me quedan dos películas por disfrutar del maestro del anime japonés: "El Castillo en el Cielo" y "Nicky, la Aprendiz de Bruja", a la espera que haga más. Es impresionante la filmografía de este director, ocho películas y ocho obras de arte, ya quisiera cualquiera en cualquier ámbito tener la ratio de este hombre... su trabajo es para ser admirado profundamente. Y es que el maestro sigue siendo el maestro, por más años que pasen. Hay que ver "Ponyo en el Acantilado", una preciosa forma de alegrarse el día y el espíritu. Regresemos a la infancia, amemos el cine.

Mi puntuación: 10/10.

sábado, 25 de abril de 2009

"Afro Samurai: Resurrection", continúa la matanza, continúa la leyenda.

Afro empuña la katana de nuevo; la pantalla se inunda de sangre.

Hace ahora casi 9 meses que hablé en el blog de una interesante propuesta animada nipona y yankee que fue lanzada en forma de miniserie de 5 episodios (y más tarde como una OVA de dos horas de duración) llamada "Afro Samurai", una serie muy peculiar donde se mezclaban muchos estilos, géneros y universos formando un conglomerado tremendamente entretenido y para nada exento de violencia. "Afro Samurai" narraba la historia de Afro, un experto y poderoso espadachín que buscaba venganza por la muerte de su padre a manos de Justicia, un pistolero que logró hacerse con la Cinta del Número 1 (que le acreditaba como el luchador más poderoso del mundo) y cuya condición para poder enfrentarlo consistía en conseguir la Cinta del Número 2 y defenderla del resto de competidores hasta plantarse ante el Número 1 y retarle a muerte. El periplo de Afro fue complicado y sangriento y la miniserie culminó con un final abierto que evidentemente daba paso a posibles secuelas y planteaba nuevos caminos y venganzas sin apartarse de la filosofía seguida, es decir, un argumento simple como mera excusa para desatar una cruenta y enorme orgía de sangre y vísceras y exhibir las cualidades técnicas de la propia serie. Y aquí está "Afro Samurai: Resurrection".

Ahora cuidado con los SPOILERS, no es que la serie tenga mucho que destripar pero por si acaso no queréis saber cómo acabó la miniserie o si alguien sobrevivió tened cuidado pues quizá tan solo el argumento sea suficiente para desvelar elementos claves de aquella. En este caso los roles se han cambiado y Afro Samurai no es quién reclama venganza sino quién debe responder ante ella ya que una joven chica llamada Sio, que tiene un secreto que esconder y un plan para hacer que Afro sufra el peor de los tormentos, entre muchos otros buscarán redimir todo el daño causado por Afro en el pasado en su senda de muerte hacia la Cinta Número 1, teniendo que revivir viejos momentos del pasado con personajes que vuelven, como Jinno (cuya historia no sigue donde acabó en la miniserie, en el Monte Shune plantándose frente a Afro con todas las cintas recopiladas), los supervivientes del clan de Los Siete Vacíos (los Hermanos 1, 3 y el científico loco, Dharman) y hasta Ninja Ninja, que vuelve a aparecer a causa de la nueva ola de violencia generada por las distintas venganzas. La película plantea dos posiciones para Afro diferentes a las de la miniserie, al principio tiene que defender la Cinta del Número 1 y más tarde tiene que conseguir la Cinta del Número 2, algo que tan solo habíamos visto en los flashbacks de la miniserie. Los motivos de Afro cambian, pero no su habilidad con la katana y sus enemigos demuestran ser grandes rivales, destacando combates tan interesantes como el de Afro contra los tres esbirros de Sio en el almendro y el de Afro y Sichigoro, aunque el final me decepcionara ligeramente y no encontremos aquí ningún combate tan épico como el que enfrentó a Afro contra Jinno en la miniserie o el enfrentamiento contra su doble biónico/terminator, momentos que no consigue alcanzar "Afro Samurai: Resurrection" y que podrían considerarse cumbres de la mini-saga. Hay lugar para la reflexión, poco (como debe ser) pero lo hay, y Afro vuelve a plantearse la toma de las armas aunque como no se espera menos lo que hace es volver con el doble de garra e ímpetu; la línea entre el bien y el mal está poco definida en esta serie ya que se trata de venganzas apasionadas y el mismo protagonista no se puede colocar a uno u otro lado de la balanza. Hay una escena que me parece acertadísima en la que se enfrenta a unos pobres campesinos que buscan venganza por sus hijos, hermanos, padres y amigos asesinados por Afro en su afán de defender la Cinta del Número 2, finalmente decide no aplicarse en serio con ellos y dejarlos vivos y en ese momento uno puede plantearse que Afro es bondadoso pero a la hora de la verdad a los que deja vivos son aquellos a los que él mismo ha infligido el mismo daño que a él le impulsó a hacer lo que hace. Mató a sus familiares y les convirtió en 'Afros', y aunque les perdone la vida se demuestra que el personaje es como mínimo ambiguo. Otro personaje muy bien hilado es el del niño, Kotaro, que está claro que se vengará de Afro algún día y es posible que pueda dar de sí otra secuela más. Afro se convierte en Justice, con la Banda Número Uno, y Kotaro en Afro, con la Banda Número Dos, esperando a crecer para ser lo suficientemente fuerte para enfrentarse a su enemigo y vengar la muerte de su padre. Exactamente igual que en la miniserie pero de nuevo, como es tónica en "Afro Samurai: Resurrection", con roles cambiados. Se espera además que Justice vuelva, como se puede deducir tras ver la imagen que cierra la película, así que si hay continuación es posible que volvamos al punto de partida.

La película (lanzada directamente en DVD, por supuesto) equivaldría a unos 3 episodios, uno 90 minutos de duración, y la acción no decrece en ningún aspecto respecto a la miniserie, y como aquella la intensidad de los combates va in crescendo durante todo su metraje alcanzando cada vez mayor nivel y espectacularidad, comenzando con una sublime escena en el puente que es, personalmente, lo mejor de la película pese a lo corta de la misma y donde vemos a Afro esparciendo muerte a doquier como tan bien sabe hacerlo, todo ello tras unos excelentes títulos de crédito de apertura de la mano de RZA, que vuelve a musicalizar la miniserie/película con una Banda Sonora Original que es de nuevo una de las señas de identidad de la pequeña saga, con pistas destacables como la nombrada "Combat" y otras como "Bloody Samurai", "Kill Kill Kill" (que tiene que ser un homenaje al tema de Harry Manfredini para "Viernes 13", seguro) o "Bloody Days Bloody Nights", una BSO que repite el esquema que triunfó en la miniserie con el mismo satisfactorio e innovador resultado (que ahora lo es un poquito menos de innovador). La música es una pieza clave en la construcción de esta película y desde luego aporta mucho al conjunto.

Otra de las banderas de "Afro Samurai" es el excelente doblaje, realizado en inglés produciéndome, como ya comenté entonces, una extraña sensación ya que por lo menos a mí me sigue pareciendo raro que el doblaje no sea en japonés debido a que subconscientemente asocio este tipo de animación a ese idioma en concreto, por la costumbre. En todo caso Samuel L. Jackson vuelve a ser amo y señor de la función poniendo sus cuerdas vocales al servicio de Afro y sobre todo de Ninja Ninja, que una vez más vuelve a ser un personaje muy divertido, un toque de color que contrasta en todos los aspectos con Afro, una doble personalidad para Samuel L. Jackson con la que seguro disfrutará mucho. El trabajo de Jackson es impecable y le da un carácter serio al film, dando muestras de unos registros muy amplios. Esta vez Ron Pearlman no está ya que Justice no tiene diálogo, y da paso a otra estrella internacional, Lucy Liu que interpreta a la villana de esta función, Sio. El trabajo de Liu es impecable y la verdad es que está muy bien, no conocía esta faceta de la actriz y su trabajo es impecable. También participa el experto actor de doblaje Mark Hamill, el que fuera mítico Luke Skywalker de la saga "Star Wars", que esto del doblaje no le coge desprevenido y realiza dos papeles cortos donde reafirma su calidad vocal, en uno como el mesero de un restaurante y el otro como uno de los guardaespaldas de Sio, Bin. También vuelve el doblador de Jinno/Kuma, Yuri Lowenthal, siendo éste otro de los personajes importantes que repiten. En general el doblaje es excelente, si no tengo en cuenta ese pequeño detalle comentado del japonés que evidentemente es cosa mía y no de la película.

Estéticamente han vuelto a superarse, se mantiene el nivel de animación de "Afro Samurai" realizado por el estudio de animación GONZO en el que es su cuarto film animado (a pesar de las innumerables series de televisión con las que cuenta a lo largo de toda la década, como "Samurái 7") y su trabajo es una maravilla (el presupuesto ha sido de $35M según la wikipedia, una cifra estratosférica para un film de este corte), se apuesta por las escenas exentas de gran iluminación en la mayoría de casos, acrecentando el misterio y el ambiente sombrío de universo en el que transcurre la acción. Las escenas de lucha vuelven a ser brutales, los combate siguen siendo más bien cortos y no falta la sangre aunque me parece que de todo tiene un poquito menos de nivel que en la miniserie, quizá es una sensación mía o es debido al hecho de no suponer nada nuevo ya que es una continuación de "Afro Samurai" en toda regla y en todos los aspectos, pero sentí que lo que estaba viendo no tenía el nivel de frescura anterior. Pese a todo goza de un ritmo excelente, unas luchas a espada brutales y una animación suprema. Los combates están coreografiados con gracia y con un sentido de la estética acertadísimo y la violencia sigue siendo tan explícita como antes, sangre y dolor son la tónica de la película; ahora que Afro debe proteger la Cinta del Número 1 todo el mundo se enfrenta a él (¿no se suponía que debían tener la Cinta del Número 2 para enfrentarlo?) y más tarde también debe recorrer un camino de sangre para alcanzar la Cinta del Número 2. Aún así, y a pesar de ser consciente de que "Afro Samurai: Resurrection" dura media hora menos que su predecesora, echo a faltar uno o dos combates más épicos si cabe que alcancen el nivel del enfrentamiento al terminator, como he comentado más arriba. Desde luego el combate contra Rokutaro me acabó decepcionando ligeramente, a pesar de estar muy bien. El tono es de nuevo claramente adulto, otro ejemplo más de que el cine de animación no es solo para niños como algunos sostienen en una ridícula creencia.

Considerando la excelente animación de la película, la magnífica y acertada banda sonora y el extraordinario doblaje aún hay otro factor más que influye decisivamente sobre el resultado, es la excelente ambientación, el universo creado para la serie que tiene vida propia y se alza como una de las banderas del film. Es maravillosa de nuevo esa mezcla de la cultura afroamericana de los bajos fondos y la oriental nipona, antigua y moderna simultáneamente, combinando 'muthafuckas' con 'sumimasens' dando como resultado un universo irreal pero asimilable, con un toque muy de western y algo de ciencia ficción debido a la tecnología que a veces utilizan determinados personajes, combinando mosquetes de pólvora con propulsores que permiten volar y katanas con biotecnología. Una mezcla absolutamente genial. Como dije cuando hablé de la miniserie es curioso y original ver a espadachines del Bronx en el Japón feudal.

"Afro Samurai: Resurrection" es una excelente continuación, exactamente en la misma línea que la miniserie que le precede "Afro Samurai", con todos los pros y contras que tenía aquella, como es una historia manida y un guión demasiado estructurado y clásico pero subyugado (conscientemente) a la espectacularidad de los combates a espada que van de menos a más y con unos personajes que son puro carisma, sobre todo el gran Afro al que Samuel L. Jackson vuelve a dotar de gran personalidad. Una película recomendable para todo aquel que disfrutó con la miniserie pues no se diferencia prácticamente en nada, y aunque es disfrutable independientemente de esta es muy aconsejable haber visto la anterior para no perderse en los pocos detalles que tiene, como la historia de Jinno o del propio Afro. Ofrece lo que promete: vísceras y sangre, hierro silbando entre huesos y carne, mucha muerte y un espectáculo tremendo, adulto y desatado. Merece la pena, y espero que vuelvan con una tercera película para seguir disfrutando de la sangría de este samurái con pelo escarpado.

Mi puntuación: 7/10.

martes, 21 de abril de 2009

"La Niebla" (2007), pánico en el supermercado.

Cine de Serie B como antaño, con cierto sabor a telefilme pero que es todo un regalo para los aficionados al género de terror.

Para empezar debo indicar que esta película no tiene nada que ver con la homónima "La Niebla" que el maestro John Carpenter realizara en 1980 (cuyo título original es "The Fog") ni con su respectivo e innecesario remake de 2005 "Terror en la Niebla". Si bien la de Carpenter no es una de sus mejores obras hay que reconocer que es todo un clásico en la historia del cine de terror y consigue atrapar con una historia tétrica y un ambiente muy logrado, y con respecto al remake de Rupert Wainwright —pese a no haberlo visto y fiándome de las críticas y la filmografía del director— mejor ni hablar porque como mínimo podría decirse que es un despropósito total. "La Niebla de Stephen King" ("The Mist" en su versión original) es una película de 2007 que Frank Darabont dirigió y guionizó basándose en la novela del mismo nombre que escribió Stephen King en los 80', e igual que la película de Carpenter y su remake el peligro reside en el interior de una extraña niebla que de repente invade una ciudad costera, trayendo consigo una horrenda y desconcertante ola de muerte y terror; y ahí se acaban las similitudes entre las dos obras.

Frank Darabont es un director, productor y guionista con una reducida filmografía pero de gran calidad, su afinidad con Stephen King a la hora de adaptar sus novelas se ha convertido en su especialidad y fruto de esa alianza han surgido películas tan bien consideradas como "Cadena Perpetua" y "La Milla Verde", además de esta "La Niebla", mientras que "The Majestic" es la única película de su filmografía que nada tiene que ver con el escritor de Maine. "Cadena Perpetua" está actualmente reconocida como la mejor película de la historia según los votantes de la página IMDB (Internet Movie Data Base), situándola incluso por delante de "El Padrino" y su secuela y la recientemente exitosa "El Caballero Oscuro", y es sin duda una de las grandes obras del cine moderno que ha marcado un hito en la historia del cine de prisiones. Luego vino la excelente "La Milla Verde", que sin tener el mismo reconocimiento que "Cadena Perpetua" supuso otra gran demostración del talento del director, que volvió a adaptar otra obra carcelaria de King aunque esta vez con un toque de fantasía que no tuvo su anterior película. El éxito de estos dos films y su reputación como guionista de películas de todo tipo, como por ejemplo "Pesadilla en Elm Street III: Los Guerreros del Sueño" (una de las mejores de la saga), "La Mosca II" o "Frankenstein", confirmaron dos aspectos, en primer lugar la versatilidad de Darabont, que demostró que se le daba bien adaptar cualquier tipo de relato fuese del género que fuese, y en segundo término su calidad y talento en ambas facetas. Desde la década de los 80' Darabont estuvo intentando adaptar la novela "La Niebla" ("The Mist") de Stephen King y dicha espera dio sus frutos cuando en noviembre de 2007 se estrenó en cines la última de sus películas, aunque no ha sido hasta mayo de 2008 cuando la hemos podido ver en España.

"La Niebla" sigue las vivencias de un pintor de carteles de cine (atención al guiño a "La Cosa" de Carpenter, "El Laberinto del Fauno" y a "La Torre Oscura") que se dirige con su hijo al supermercado para reparar los daños causados en su propiedad debido a una grave tormenta que causa grandes destrozos en el pueblo. Una vez allí aparece una repentina niebla que porta un extraño mal en su interior, y a él y al numeroso grupo que se encuentra en el supermercado no le queda otra opción que apostarse allí a la espera de alguna información o solución mientras se esfuerzan por sobrevivir y superar el pánico y el desconcierto. El peligro de la situación es múltiple, en primer lugar porque la amenaza es desconocida y por lo tanto la confusión y la paranoia hace que la gente actúe sin frialdad y con ignorancia, por otro lado la niebla esconde un peligro mortal y terrorífico que los protagonistas no podrían imaginar ni en sus peores pesadillas, y además queda la peor de las amenazas ya que la Señora Carmody, la loca del pueblo, se encarga de sembrar el pánico entre los supervivientes lo que altera el ya débil de por sí estado anímico del grupo. Lo bueno que tiene la película es que es una magnífica oportunidad de rememorar el cine de Serie B que hace años no se ve en el cine salvo contadas excepciones. El cine de los 80', que ahora tanto añoramos, tiene una identidad propia que hoy en día a finales de la década de los 2000 sigue fascinando; quizá en su día causara la misma indiferencia que nos causa a nosotros la mayoría del cine de terror actual, pero ahora mismo encontrarse con una película que reproduzca el estilo y tono de dichas películas es toda una alegría. "La Niebla" será con toda seguridad una película de esas que cuando la veamos al cabo de unos años la consideraremos un producto excelente de épocas pasadas, ya que actualmente que un film de este corte no sea vapuleado o que simplemente destaque es una prueba de que su calidad es mayor que la de la media y por lo tanto merece permanecer en la memoria cinematográfica. Se ha dado últimamente algún caso parecido como el del remake de "Halloween" dirigido por Rob Zombie o "The Descent" de Neil Marshall, la cual aún tengo pendiente.

Cosas a su favor tiene muchas, comenzando porque no tarda nada en arrancar; a los 15 minutos ha comenzado el caos lo cual es de agradecer. Para empatizar con los personajes no hacen falta largas conversaciones ni evidencias de su carácter que ralenticen la cinta ni le den un exceso de empatía, simplemente con dar pequeñas pistas y mostrar algunos personajes de soslayo es suficiente. De hecho es durante el transcurso del film donde vamos conociendo matices de cada protagonista ya que en una situación límite el carácter de una persona puede cambiar, por lo que lo conocido anteriormente de esa persona puede no tener ninguna utilidad. Además, no hace falta empatizar mucho con los protagonistas en una película como esta, durante el film conocemos lo suficiente de ellos como para sentir lo que debemos sentir por ellos, la empatía justa y necesaria. La película es muy progresiva, va subiendo el ritmo de intensidad poco a poco, dando las oportunas pausas entre secuencias de acción/pánico y durante sus 2 horas de duración sufrimos y observamos atónitos lo sucedido, aunque eso sí, miedo no se pasa ni mucho menos. De todos modos creo que el film no está hecho para pasar miedo sino para crear tensión, por muy monstruosa que sea la amenaza de la neblina no es suficiente como para mantener una sensación de pavor. La verdadera sensación de pavor, asco y repugnancia no surge de la niebla, sino del interior del supermercado, de la mano de la Señora Carmody, la fanática cristiana que hace enloquecer a todo aquel que la escucha en un contexto como el del film. Y es que como reza el logo de la película, «el miedo lo cambia todo».

Las interpretaciones de la película son muy correctas con una a destacar especialmente, la de Marcia Gay Harden como la loca del pueblo. Su papel es intenso y tiene mucho protagonismo, pues suya es la misión de salvar a todos de la destrucción, esto es, traducido a palabras que todos entendamos, sembrar el pánico más horrible y primitivo que se pueda imaginar en un grupo de personas encerradas. Es curioso como el personaje al que todos toman por loco (pues lo está realmente) y tienen marginado cuando todo funciona correctamente, de repente se convierta en un líder espiritual con las respuestas a todo lo sucedido, lo que representa la debilidad mental del hombre y la necesidad de aferrarse a lo primero que tengan a mano (la religión, que casualidad) aunque sea un clavo ardiendo como es la persona más inestable del grupo. La actriz consigue un papel creíble y visceral, que provoca más miedo que las criaturas que acechan el pueblo y que produce un intenso odio, signo evidente de lo bien construido que está el personaje. Al protagonista de la cinta, David Drayton, lo interpreta Thomas Jane, actor conocido por protagonizar la entrega de 2004 de "The Punisher (El Castigador)" y por tener un tremendo parecido físico con Christopher Lambert. Jane tiene el papel de padre protector y valiente, que no solo debe encargarse de su hijo sino que también se convierte en un líder del grupo, el que realmente se da cuenta de lo que pasa pues es uno de los que desde un principio sufre un ataque y ve con sus propios ojos lo que nadie creería. El actor está muy correcto, sobre todo en algunos momentos puntuales de tensión y más que nada en el tremendo final, uno de los finales más impactantes y espectaculares que he visto en los últimos años. Porque el final de "La Niebla" merece mención aparte; he leído que la película es una adaptación bastante fiel de la novela de Stephen King excepto en el final, y podría decirse que el final de la película está narrado tras el final de la novela, la cuestión es que los 10 últimos minutos son espectaculares, por cierta aparición entre la niebla y sobre todo por su intensa y sobrecogedora escena final, de la cual ya me habían avisado y que igualmente me golpeó en todo los morros. En este aspecto le doy un 10 como una casa a Darabont, consiguió dejarme un magnífico sabor de boca hundiéndome la moral. El resto de actores están bien sin más, vi la película en versión original y hay que reconocer que cualquier actor gana personalidad con su propia voz, destacando el papel del valiente Ollie (Toby Jones), el de la también brava Irene (Frances Sternhagen), el del incrédulo vecino de David, Brent Norton (Andre Braugher), Sam Witwer como el Soldado Jessup (la escena final de la que es protagonista me parece de las mejores del film), y Nathan Gamble como Bill, el hijo de David, en un reparto repleto de caras desconocidas y solvente interpretación.

La dirección de Frank Darabont alterna genialidades con recursos cutres. Tiene unos cuantos cortes y fundidos a negro que parece que vayan a dar paso a publicidad, y ese es quizá el aspecto más negativo del film, ese cierto tono a telefilm que en varias ocasiones hace acto de presencia. En cambio en otras ocasiones el director realiza planos y secuencias imaginativas y elaboradas, como la nombrada del Soldado Jessup que tiene un par de encuadres brutales o algún que otro plano entre la niebla, destacando de nuevo el final de la película. El director y guionista del film ha realizado en general una composición bella y elaborada, con alguna que otra mancha por su excesiva simpleza en ocasiones pero en general de un corte elegante; el montaje final con la música de réquiem es de una gran belleza, y en general la música de Mark Isham ("Crash", "Bobby") de tono minimalista es todo un acierto en la composición; aparece poco durante la cinta y solo destaca ligeramente en las secuencias tensas, en el resto o no hay música o es inapreciable, lo cual quiere dar cierto realismo a las escenas protagonizadas por la Señor Carmody. Los efectos especiales son más que correctos, sin ser una gran superproducción consiguen crear unos monstruos muy atractivos, teniendo un excepcional diseño artístico tras ellos y unos efectos por ordenador que en momentos se ven demasiado artificiales, como es el caso del ataque en el garaje, y en otros rozan la genialidad, vuelvo a remitirme al final de la cinta. En general el nivel de efectos especiales en las criaturas es medio, y el de efectos visuales en la acción y la sangre algo más correctos. Además la dirección artística en los decorados cumple bastante, y es más notable en localizaciones como la farmacia y brevemente en los escasos exteriores del film.

La película consiguió colarse entre las 100 más taquilleras del 2007 a nivel mundial pese a su humilde corte, logrando $57M de recaudación, que superan ampliamente sus modestos (relativamente) $18M de presupuesto, y al margen de taquilla se ha convertido en una de las películas de género más apreciadas del año. Su mezcla entre ciencia ficción (es imposible no acordarse del afamado videojuego "Half Life"), fantasía y terror, todo condimentado con un toque de Serie B y sin una pizca de humor, ha sido todo un éxito y los aficionados hemos agradecido la frescura de un relato así en una era donde se ha extendido una plaga de sub-productos de calidad inefable a los cuales no podemos ni añadirle el factor nostalgia, además de un alud de remakes y secuelas de pobre calidad que pasan inadvertidas pero siguen haciéndose una y otra vez. En definitiva, "La Niebla" es una película digna de atención que pese a tener sus carencias es un buen producto de terror/Serie B que aporta oxígeno al género y revitaliza las esperanzas de encontrarnos con buenos productos de este tipo en el cine de Hollywood. Merece la pena verla, por el ambiente de tensión y paranoia que crea y por su estupendo final.

«— La gente es esencialmente buena y decente. Por Dios, David, somos una sociedad civilizada.
— Siempre y cuando todo funcione y puedas llamar al 911. Pero sin eso, súmelos en la oscuridad, dales el susto de sus vidas y quítales todas las reglas... y entonces verás cuán primitivos se vuelven.»

Mi puntuación: 7/10.

viernes, 17 de abril de 2009

¡Videa Bien... cumple un año!

Parece que fuera hace dos días cuando comencé pero Videa Bien... cumple hoy un año de vida, desde aquel primer mensaje de presentación y la primera entrega del artículo sobre la figura de Stanley Kubrick (de la que por cierto debería ir preparando la V parte) aquel 17 de Abril de 2008. Hablemos de números si queréis, aunque las estadísticas del blog las comencé a finales de Noviembre por lo que solo contarán los últimos 5 meses del foro y no los 12 enteros:

  • 8.826 visitas.
  • 15.518 páginas vistas.
  • 1,76 promedio páginas vistas por visita.
  • 00:01:57 promedio de tiempo en la web.
  • Máximo número de visitas en un solo día (20 de marzo de 2009): 125 visitas.
  • Máximo número de páginas vistas en un solo día (11 de marzo de 2009): 211 páginas.
  • Máximo promedio de páginas vistas por visita en un solo día (3 de enero de 2009): 3,06 páginas/visita.
  • Máximo promedio de tiempo en la web en un solo día (19 de marzo de 2009): 00:06:34.
  • País con más visitas: España, luego por orden México, Argentina y Chile, con visitas de los 6 continentes.
  • Casi 60 visitas por día de media.
  • Tráfico:
    • 12% de tráfico directo, 961 visitas.
    • 41% gracias a motores de búsqueda: Google es el buscador desde el cual han accedido más al blog, 3.541 visitas.
    • 47% gracias a sitios web de referencia: CineActual.net es la web desde donde más visitas he recibido, 1.616 visitas.
  • El artículo más leído es, sin contar la página de inicio, la etiqueta de «Perdidos» (452 visitas). Luego «"Slumdog Millionaire". Marcamos la "D: Una película maravillosa", respuesta final, sin utilizar comodines.» (299 visitas), después «"El Niño del Pijama de Rayas", la guerra vista desde la inocencia.» (244 visitas), en cuarta posición «"Bolt", el perro súper ingenuo.» (238 visitas) y quinta para el episodio «"Prison Break" [4x12] Selfless» de (237 visitas).
  • Los artículos con más comentarios son «"Perdidos" [5x08] LaFleur», «"Perdidos" [5x11] Whatever happened, happened» y «"El Caballero Oscuro", definitivamente de la lycra al cuero», con 14 comentarios cada uno.

En todo un año he publicado un total de 110 artículos, los cuales podeis revisitar a continuación (si posáis el puntero sobre cada cartel podréis ver el título del post y su puntuación —en el caso de que sea una película/miniserie— correspondiente), clicad sobre la imágen si queréis ver el artículo:

Stanley Kubrick, una visión única. ''À l'Intérieur'', ¡el cine de terror está VIVO! [8/10] ''Paprika'', en los sueños y el anime todo vale. [8/10]
''Perdidos'' [4x09] The shape of things to come. ''Ultimátum a la Tierra'', el día que se paralizó el planeta. [7/10] ''Perdidos'' [4x10] Something nice back home.
''Iron Man'': Marvel se pone las pilas. [7/10] ''Perdidos'' [4x11] Cabin Fever. ''El Diario de los Muertos'', vuelve Romero, vuelven los zombies. [7/10]
''The Flight of the Conchords''. Who likes to rock the party? ''Perdidos'' [4x12] There's no place like home (Part I). ''Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal'', ¡te he dicho que no me llames Junior! [8/10]
''Evil Dead'', la quintaesencia de la Serie-B. [8/10] ''El Beso del Asesino'': Stanley Kubrick, una visión única (II). [5/10] ''Atraco Perfecto'': Stanley Kubrick, una visión única (III). [8/10]
''El Incidente'': la extinción de la raza humana. [7/10] ''El Increíble Hulk'', ¡Hulk aplasta! [7/10] ''Los Cronocrímenes''. El tiempo es oro; la muerte, rosa. [7/10]
''Senderos de Gloria'': Stanley Kubrick, una visión única (IV). [10/10] ''Un Hombre Lobo Americano en Londres''. Cuidado con la Luna. [9/10] ''Afro Samurai'', espadachines del Bronx en el Japón feudal. [7/10]
''Hancock'', una vuelta de tuerca al superhéroe de cómic. [6/10] ''Dexter'', el Oscuro Defensor. ''Doomsday: El Día del Juicio'', la ''2035: Rescate en Glasgow'' de nuestra era. [7/10]
''La Momia: La Tumba del Emperador Dragón''. A mi me gustaban las momias... [5/10] ''WALL·E''. El futuro pinta muy negro... habrá que limpiarlo. [10/10] ''El Caballero Oscuro'', definitivamente de la lycra al cuero. [10/10]
''Los Pájaros'', la amenaza viene de arriba. [8/10] ''I'm Not There'', Bob Dylan elevado a la sexta. [4/10] ''Venganza'', sírvase en plato frío. Y rápido. [7/10]
''Prison Break'' [4x01-02] Scylla / Breaking and entering. ''Prison Break'' [4x03] Shut down. ''Toma el Dinero y Corre'', el Woody Allen miserable (por Woody Allen). [7/10]
''Che: El Argentino'', ¡Que viva la revolusión! [8/10] ''Prison Break'' [4x04] Eagles and angels. ''Prison Break'' [4x05] Safe and sound.
''Cementerio Viviente'', aveces es mejor estar muerto. [8/10] ''Vicky Cristina Barcelona'', lujuria en la Ciudad Condal. [7/10] ''Heroes'' [3x01-02] The second coming / The butterfly effect.
''Prison Break'' [4x06] Blow out. ''Heroes'' [3x03] One of us, one of them. ''Asesinato Justo'', la mayoría respetan la pistola; todos respetan a Bob y Al. [6/10]
''Heroes'' [3x04] I am become death. ''Prison Break'' [4x07] Five the hard way. ''Quemar Después de Leer'', espías de la CIA y monitores de gimnasio; agua y aceite. [6/10]
''Heroes'' [3x05] Angels and monsters. ''El Niño con el Pijama de Rayas'', la guerra vista desde la inocencia. [7/10] ''Heroes'' [3x06] Dying of the light.
''Prison Break'' [4x08] The price. ''Heroes'' [3x07] Eris quod sum. ''Sospechosos Habituales'', ¿Quién es Keyser Söze? [10/10]
''The Man from Earth'', el hombre de las cavernas que no quiso morir. [8/10] ''Prison Break'' [4x09] Greatness achieved. ''Red de Mentiras'', el engaño es el mejor arma del espía. [8/10]
''Heroes'' [3x08] Villains. ''Prison Break'' [4x10] The legend. ''Quantum of Solace'', una parte de James Bond. [7/10]
''Heroes'' [3x09] It's coming. ''Prison Break'' [4x11] Quiet riot. ''Prison Break'' [4x12] Selfless.
''Heroes'' [3x10] The eclipse (Part I). ''Prison Break'' [4x13] Dead or no deal. ''Dante 01'', un infierno espacial a la francesa. [3/10]
''Heroes'' [3x11] The eclipse (Part II). Bond, James Bond. Etapa Connery/Lazenby (I). ''Bolt'', el perro súper ingenuo. [5/10]
''JFK: Caso Abierto'', ¿Por qué y cómo? [10/10] ''Dead Set'', la audiencia ha decidido... que comience el apocalipsis zombie. [9/10] ''Australia'', un romance épico en tierras lejanas. [8/10]
''El Intercambio'', con el corazón en un puño, Clint. [9/10] ''Perdidos'' [4x13-14] There's no place like home (Part II & III). ''RocknRolla'', vuelve el viejo Guy Ritchie. [7/10]
''Survivors'', volver a comenzar tras la hecatombe. [8/10] ''Cuestión de Honor'', algo huele a podrido en la policía de NY... [5/10] Nominaciones 81ª edición Oscar® (2009).
''Perdidos'' [5x01] Because you left. ''Perdidos'' [5x02] The lie. ''Revolutionary Road'', sueños rotos. [8/10]
''Perdidos'' [5x03] Jughead. ''Mi Nombre es Harvey Milk''... y estoy aquí para reclutaros. [8/10] ''Valkiria'', no todos fueron nazis. [8/10]
''La Duda'', la fe no necesita pruebas. [7/10] ''Perdidos'' [5x04] The little prince. ''El Curioso Caso de Benjamin Button'', la vida a la inversa. [9/10]
''Perdidos'' [5x05] This place is death. ''El Desafío: Frost contra Nixon''. Dos hombres entran, uno sale. [8/10] ''Slumdog Millionaire''. Marcamos la ''D: Una película maravillosa'', respuesta final, sin utilizar comodines. [9/10]
''Perdidos'' [5x06] 316. Mi apuesta para los Oscar 81ª (2009). ''Vals con Bashir'', memoria traicionera. [8/10]
''The Reader (El Lector)'', vergüenza y silencio. [7/10] Premios 81ª edición Oscar® (2009). ''Perdidos'' [5x07] The life and death of Jeremy Bentham.
''Cobra, el Brazo Fuerte de la Ley'', ÉL es la justicia. [7/10] ''Che: Guerrilla'', hasta la victoria siempre. [7/10] ''Perdidos'' [5x08] LaFleur.
''Gran Torino'', vuelve Harry el Sucio. [9/10] ''Martyrs'', une souffrance extrême. [8/10] ''Perdidos'' [5x09] Namaste.
''Watchmen'', ¿quién vigila a los vigilantes? [10/10] ''Perdidos'' [5x10] He's our you. ''El Luchador'', The Ram pega fuerte. [9/10]
''Perdidos'' [5x11] Whatever happened, happened. ''Dead Man's Shoes'', lo pagaréis con creces... [8/10] ''Perdidos'' [5x12] Dead is dead.
''Surveillance'', precaución al volante. [5/10] ''Perdidos'' [5x13] Some like it Hoth.

Estoy muy contento con los resultados obtenidos y con lo escrito hasta el momento, no me arrepiento de haber escrito demasiado o de haberme dejado demasiadas cosas en el tintero, tengo varios proyectos en marcha (el de Kubrick y el de James Bond) o en mente (trilogías como la de "Regreso al Futuro" o la trilogía del dólar de Leone entre otras) y hasta hay algunos fieles que sé que me leen de vez en cuando. Por eso os agradezco a todos, a los que paséis de vez en cuando, a los que lo hagáis aleatóriamente y hasta al que caiga aquí por accidente o casualidad, gracias a todos por leer este pequeño e íntimo reducto del infinito internet y gastar aquí algunos minutos o segundos de vuestro preciado tiempo. ¡Mil gracias!

Espero haberos descubierto alguna vez alguna película, haber hecho que os déis cuenta de algún detalle en alguna serie o película que se os había escapado, estudiado algún film desde una perspectiva que no habíais contemplado, ayudado a conocer algún actor o director o hasta género o simplemente haber hecho pensar acerca del tema de una cinta. Con eso me daría por satisfecho con mi trabajo en Videa Bien... Para conmemorar este año cumplido además he cambiado de nuevo las imágenes aleatórias de cabecera por otra nueva tanda de 16, como podréis comprobar. Espero que sigáis disfrutando mucho tiempo más de este blog y que nunca os canséis de él, porque a mí me gustaría tardar mucho en hacerlo. ¡Salud, a esta ronda invito yo!