lunes, 30 de junio de 2008

"Los Cronocrímenes". El tiempo es oro; la muerte, rosa.

¡¿Ciencia Ficción de Serie B en España?! ¡Y de la buena!

Quizás no todo el mundo sabe quién es Nacho Vigalondo, a lo mejor no les suena tampoco un corto nominado al Oscar en 2005 llamado "7:35 de la Mañana", una perla en blanco y negro de 8 minutos en forma de musical-bizarro realmente sorprendente, o su otro corto "Choque" entre otras lindezas freaks que pueblan la red del calibre de la trilogía "Código 7", pero a partir de ahora todo el mundo debería saber que es el director de "Los Cronocrímenes", una película española que por fin se atreve con el castigado género de la Ciencia Ficción. Hay que ser sinceros, la película no innova ya que el viaje en el tiempo y las paradojas temporales son viejos temas siempre recurridos por los mejores directores y escritores, pero el simple hecho de que sea una película 100% española, que todo haya nacido de un español y que se haya llevado a cabo de forma española le suman muchos puntos a la producción. De hecho estoy seguro de que si la película fuera americana habría pasado más inadvertida y quizá yo no habría tenido tan buena opinión como tengo de ella. Pero igual que dije cuando vi "[REC]" y "El Orfanato", el hecho de que sea un producto patrio la diferencia de las demás producciones americanas y ese toque español en muchos aspectos le sienta muy bien, lo suficiente como para que las tenga en alta estima. Dudo que el remake americano que está planeado para el año que viene, "Timecrimes", tenga la misma frescura y buen hacer que la de Vigalondo.

No quiero hablar demasiado de la sinopsis de la película porque creo que lo grande de ella es ir a verla virgen de prejuicios y de ideas preconcebidas, pero a grandes rasgos narra las vivencias de Héctor, un hombre que se ve atrapado en un bucle temporal al ser perseguido por un extraño hombre con la cara tapada, y donde progresivamente se irán conociendo los detalles de los sucesos que se enmarcan en el film.

Todo en "Los Cronocrímenes" rezuma mimo. Se nota que es el primer largometraje del director por su indisimulado toque de Serie B, por algunas de sus interpretaciones, por la evidente falta de recursos y la solvencia en superar este hándicap. Una cosa que me encanta de esta película, igual que me pasó con la excelente "Primer", es que la falta de recursos, efectos especiales y fanfarria no mina el resultado sino todo lo contrario, lo enriquece. Parece muy fácil pensar que hoy en día y tal y como está el cine tirando de FX, explosiones y maquinaria ya puedas tener una película de Sci-Fi decente, pero "Los Cronocrímenes" demuestra que nada de eso es necesario si hay un buen guión y mucha imaginación tras el proyecto, y sobre todo muchas ganas de hacer las cosas bien. Igual que en "Primer", no se echa de menos ningún efecto visual que potencie la espectacularidad de la acción o que intente "cubrir" las carencias del film, precisamente la ausencia de este tipo de recursos demuestran que el guión funciona por sí solo y no necesita de ayudas auxiliares para tirar adelante la película. "Los Cronocrímenes" goza de muchos puntos favorables: su sencillez, su esmero, su tono humilde, su clase, su duración, y entre muchas más cosas su soberbio montaje. Cuenta una historia simple, pero es simple gracias a que se explica de una forma tan sencilla que parece un hecho cotidiano el viajar por el tiempo y convivir con paradojas temporales del estilo "el huevo o la gallina", que para quien no lo sepa define el dilema de los bucles temporales y su absoluta incapacidad de comprensión y explicación humana para este tipo de viajes espacio-temporales.

Comparándola de nuevo un poco con "Primer", la ventaja que tiene "Los Cronocrímenes" frente a esta es que su guión y su montaje ayudan a entender todo lo que sucede perfectamente, sin explicaciones redundantes ni enrevesadas, simplemente con el fluir de los hechos todo va quedando explicado y aclarado a cada minuto que avanza la cinta. Y es ahí donde yo me quito el sombrero ante la película, supongo que será 50% por el guión y 50% por el montaje, una completa maravilla el hecho de ser capaz de narrar unos sucesos en un tema complicado y sofisticado como es el de las paradojas temporales sin tener que recurrir a ningún artificio ni giro bruto o forzado. No quiero spoilear la cinta ahora, pero me he hecho mi propio cronograma del film que aclara completamente las pocas dudas que puedan haber, que aviso NO VEÁIS SI NO HABÉIS VISTO LA PELÍCULA AÚN:

CRONOGRAMA DE

"Los Cronocrímenes".


Otro factor hace grande a "Los Cronocrímenes" es Karra Elejalde ("Año Mariano", "Airbag"), un actor que a mí hasta ahora me gustaba más bien poco o nada, pero tras verlo en esta película ha cambiado la opinión que tenía de él completamente. Se muestra torpe, curioso, sorprendido, valiente, pasota, atrevido, aturdido, seguro... un abanico completo donde vamos viendo su evolución a lo largo de la cinta mientras va abarcando todo tipo de sentimientos y expresiones, y es él el que soporta todo el peso de la película sobre sus espaldas. Facilita incluso que sintamos empatía por él al principio y podamos llegar a comprender cómo le moldean los hechos, por qué realiza todos sus actos y a dónde quiere llegar conducido por esos hechos que se desencadenan. El desgaste físico del personaje coincide con su evolución, y me gustaría destacar un momento cómico que me esbozó una buena sonrisa: «Así al menos te llevarás dos buenas hostias», o algo así. El resto del reparto tiene una participación mucho menor ya que la película está pensada para contemplar pocos personajes y todos con una importancia muy concreta excepto Héctor, el protagonista. Bárbara Goenaga, la misteriosa chica que se desnuda está muy bien mostrándose nerviosa y asustada, brillando por encima de todo su espectacular físico. Candela Fernández pese a su breve papel se muestra muy creíble e importante en la trama, también guapísima. Y el director Nacho Vigalondo se reserva para sí otro papel con bastante importancia, el del científico, y sinceramente como actor profesional es bastante flojo, aunque en el marco de una película española de Serie B como la que nos ocupa no da el cantazo ni mucho menos.

Técnicamente la película me ha gustado mucho, comenzando por la estética tricolor del póster y siguiendo con la ambientación rural y próxima de los reducidos escenarios del film. El estilo de Vigalondo es acentuado y personal y recurre a planos sencillos y muy bien pensados, todo para ayudar a hacer la narración fluida. A ese 50% montaje y 50% guión habría que añadirle otro 50% de dirección, y es que de verdad que me sorprende para bien la elaboración del film en cuanto a fácil comprensión, evitando tener que hacer parecer al espectador idiota y dándole que pensar para cuando acabe la proyección. Y es que a mí esto es lo que me encanta de las películas y los libros donde hay viajes temporales, tomarme mi tiempo tras el visionado para pensar, para juntar las piezas del puzle y diseñar mi propia teoría, como en las estupendas "Primer" o "Donnie Darko" o con la novela "El Fin de la Eternidad" de Isaac Asimov, con la diferencia que en "Los Cronocrímenes" no hay que hipotetizar con ninguna teoría rara ya que todo está más que claro al acabar la película.

Tras disfrutar estos últimos años de dos películas de género españolas como "[REC]" y "El Orfanato", de otras de factura impecable como "Bosque de Sombras" de Koldo Serra y teniendo en cuenta que el cine español es un gran desconocido para mí ("Volver" creo que ha sido otra de las últimas películas españolas que vi) creo que junto a "El Laberinto del Fauno" desde ya "Los Cronocrímenes" se convierte en mi favorita. Dejémonos de complejos, el cine español es capaz de hacer películas de género con calidad, a veces sin mostrarse original en el concepto pero sí en las formas, con ese toque español, cercano y empático que el espectador acostumbrado al cine americano agradece, un cine diferente al habitual y más fresco y joven, y con más ganas.

En mi opinión Nacho Vigalondo ha triunfado con "Los Cronocrímenes", ha hecho la película que quería y cómo quería y se alza como uno de los estandartes frikis a los que seguir la pista en nuestro país. Espero que se le ocurra otra idea y la materialice de la misma forma que esta película porque así conseguirá atraer a otra legión de seguidores a las salas de cine, que desgracia e incomprensiblemente para el que suscribe estas líneas están casi vacías en el estreno de esta aclamada y promocionada cinta. Yo fui el día del estreno a la primera sesión de las 16:00 y contándome a mí éramos 3 personas en la sala, y creo que va a ser una película que va a mantener esa tónica de desolación durante el poco tiempo que esté en cartelera, y es una lástima que películas de Ciencia ficción española de Serie B con la calidad de "Los Cronocrímenes" tengan que ver como basuras del tamaño de "Casi 300", "Date Movie" y sucedáneos de "Scary Movie" le pasen la mano por la cara en taquilla. Y es por eso que aún tiene más mérito lo de Vigalondo, atreverse con un género que no es nada agradecido en nuestro país. Por eso animo a todo el mundo que vaya al cine a verla esta semana, ahora que pueden , porque quizá luego sea tarde para disfrutarla en pantalla grande, y debemos apoyar este tipo de películas para que lleguen más y mejores. De momento espero que la versión original de Vigalondo tenga más éxito que el futuro remake, para que se haga justicia. La crítica la ha recibido con entusiasmo, ha ganado la Tulipa Negra en el Festival de Cine Fantástico de Amsterdam, también la Medalla de Plata del Público, la Medalla de Oro del Jurado y el Premio a Mejor Película en el Fantastic Fest de Austin (Texas), Mejor Película (Asteroide de oro) en Trieste (Italia) y el Premio de la Audiencia en el Festival de Cine de Philadelphia, premios que sin duda ayudan a promocionar la película. Además lleva unos meses funcionando el juego interactivo en la web de Cronocrímenes con mucho éxito y participación, siguiendo la inteligente moda de promocionar la película por internet.

Vuelvo a aconsejar a todo el mundo a que vaya al cine a verla para apoyarla, porque es una buena película, porque necesita materializarse el apoyo del público más freak con números decentes en taquilla y porque Vigalondo es un crack que se lo merece y que acaba de comenzar una carrera que vaticino muy prometedora si sigue por este camino. Felicidades Nacho.

Mi puntuación: 8/10.

¡PUDIMOS!

miércoles, 25 de junio de 2008

"El Increíble Hulk", ¡Hulk aplasta!

Ostias como panes y multi-destrucción, La Masa pisa con fuerza.

Llega la segunda película 'independiente' de Marvel Studios tras "Iron Man" (que ya comenté por aquí), desligada ya de las grandes productoras como la 20th Century Fox, Columbia Pictures, Universal Studios, New Line Cinema, etc. y vuelve a realizar una versión mucho más fiel y personal de otro de sus superhéroes estandarte, Hulk —o La Masa como se le conoce en algunos cómics en España— en "El Increíble Hulk".

El esquema seguido para realizar este film es semejante al del Hombre de Hierro: una versión equilibrada en cuanto a acción y recreación de la personalidad del personaje, unos efectos especiales punteros, un director desconocido y con poco currículum (supongo que para moldear el film al gusto de la productora), unos actores de la más alta categoría, tanto en el papel protagonista como en cuanto a secundarios, y una promoción y presupuesto lo suficientemente importantes como para convertirse en taquillazos y grandes blockbusters. Es casi extraño que el resultado sea una película de calidad superior a la media de las películas de superhéroes teniendo en cuenta que no hay nada particularmente extraordinario respecto a la producción de otras películas como "Los 4 Fantásticos" o "Daredevil" por citar dos de los grandes fiascos cinematográficos basados en los personajes de la factoría, pero como ya comenté en la anterior película las diferencias son esencialmente dos: que esta vez la película la han hecho los padres del cómic a su gusto y que se ha contado con actores y actrices del máximo nivel (desde luego Robert Downey Jr. y Edward Norton son incomparables a Ben Affleck y Jessica Alba).

Me gustaría haber podido ver la criticada versión de Ang Lee de 2003 ("Hulk") para poder opinar sobre ella y compararla con el film que nos ocupa, pero no es el caso, una lástima. Se habló de que esta película de 2008 podría ser una continuación de la de Ang Lee, pero al final se hizo borrón y cuenta nueva y no se contó para nada con aquella película, que por lo visto en general dejó bastante defraudados a los fans del Gigante Esmeralda. Louis Leterrier, director francés que hasta ahora solo había dirigido la segunda película de "Transporter" y "Danny the Dog", se pone bajo el mando de la Marvel y supongo que hace el rol de director de oficio de igual forma que lo hizo Jon Favreau para "Iron Man", dirige con solvencia y con pulso con la intención de asemejar el film más a la serie de TV de los 70' que a la película de Ang Lee, dota de frenetismo a las escenas de acción y quizá en algún momento puntual se le va la mano con el movimiento de la cámara, pero en general realiza una dirección que permite disfrutar completamente del espectáculo en las escenas de lucha de La Masa, que no son pocas. Y enlazando con esto debe apreciarse otra de las cualidades del film, el ritmo. En "El Increíble Hulk" se vuelve a recurrir a un ritmo ideal para este tipo de películas donde el argumento tiende normalmente a ser más bien simple y en el que es importante no incurrir en el exceso de acción o en la ausencia de esta. Por eso es importante que el personaje de Bruce Banner tenga una importante participación en el film, pero que Hulk haga aparición destruyendo todo a su paso es fundamental; es complicado encontrar un punto medio y que exista un equilibrio entre las dos personalidades, y en este caso se ha conseguido a la perfección y quizá ese es uno de los mayores logros de la película.

Si Robert Downey Jr. era toda la película de "Iron Man" aquí Edward Norton sin tener tanto carisma es mucho de "El Increíble Hulk". El protagonista de "El Club de la Lucha" interpreta al Doctor Banner y logra tener un merecido protagonismo, un personaje que siempre se ha caracterizado por tener una poderosa lucha interna y estar muy atormentado, siempre con el miedo a sufrir una transformación, perder el control y hacer daño a sus seres queridos, como podemos deducir (si no conocemos el personaje) tras esos brillantes títulos de crédito donde a modo de flashbacks podemos hacernos una idea de la creación del monstruo a raíz de un experimento fallido (el origen del personaje se modifica levemente para homenajear a la serie homónima de TV) y las consecuencias de sus arranques de ira. La primera mitad de la película en la que se dedica a huir por Brasil (menudas escenas las de las favelas) me ha parecido muy acertada y es de lo que más me ha gustado de la película. Norton está brillante como siempre y muestra esa solvencia que le hace capaz de adaptarse a cualquier terreno. El actor se implicó mucho en el proyecto e incluso colaboró con el guión, pero al ver el montaje final de la productora se desentendió del proyecto descontento con el producto final ya que según él requería de más tiempo para obtener un producto final óptimo. Por lo visto el montaje de Norton, que es fan de Hulk desde pequeño, era más largo, contaba con menos acción y más detalles de los personajes e introdujo más referencias al personaje de Doc Samson, que en la película aún no aparece convertido en superhéroe sino que aparece solo como psiquiatra (interpretado por Ty Burrell), igual que asistimos al nacimiento de uno de los archienemigos de Hulk, El Líder.

Tim Roth interpreta al rival de Banner/Hulk, Emil Blonsky/Abominación, un soldado de élite ruso que va a la caza del Doctor, y en mi opinión le da una perfecta réplica, y es que a mí este actor me encanta desde que lo vi en "Reservoir Dogs" y "Four Rooms"; Blonsky se muestra sagaz, ambicioso y espectacular en las escenas de acción. De hecho creo que una de las mejores escenas de la película es la que enfrenta a Hulk al ejército cuando por primera vez podemos ver al Monstruo de Jade a plena luz del día y con claridad, y donde Blonsky tiene una espectacular aparición. Roth fue una imposición del director Leterrier para realizar el film, y éste aceptó encantado ya que sus hijos son fans del héroe y porque no había trabajado en una película de acción desde hacía mucho tiempo, lo que le pareció que podría ser divertido. Pese a ser los dos protagonistas del film, Tim Roth no coincidió con Edward Norton en todo el rodaje. Una curiosidad acerca de la película, cuando el General Ross aparta la lona de plástico que cubre la bombona con el suero para crear al Supersoldado en una etiqueta puede leerse el nombre de Dr. Reinstein, que es el Doctor que creó el suero en la primera versión del Capitán América, lo que le dio sus poderes. Y es que para 2011 Marvel Studios prepara una película para el superhéroe americano, y comienza a preparar el terreno para el film de Los Vengadores donde se juntarán los más importantes superhéroes del Universo Marvel, pues la productora se ha propuesto dar una continuidad en sus films como si se tratara de los cómics. El resto del reparto está sobresaliente, destacando a William Hurt en el papel del General Thaddeus 'Thunderbolt' Ross, serio, firme y solvente como siempre. Liv Tyler además de guapísima tiene su papel de Betty Ross, la novia de Banner, que le otorga cierto protagonismo, y es un excelente contrapunto a la bestialidad de Hulk en sus momentos de humanidad cuando está convertido en el gigantón verde.

La película está llena de detalles, de continuas referencias y homenajes al personaje y a la serie de TV, empezando por el ya típico cameo del creador de la gran mayoría de superhéroes de la factoría, el dibujante, editor y escritor Stan Lee, que tiene un cameo la mar de gracioso (es el abuelo que se bebe el zumo de la nevera), y el de Lou Ferrigno, el actor que dio vida a Hulk en la serie de TV, que es el guarda de seguridad de los laboratorios que deja entrar a Banner a cambio de una pizza. Se puede escuchar en la excelente Banda Sonora de Craig Armstrong la canción de piano de los créditos de la serie, llamada "The Lonely Man Theme", además de continuas referencias a la serie como la utilización del pseudónimo de David Banner al final de la cinta (nombre por el que se cambió el del protagonista por parecer Bruce demasiado 'gay'), el momento humorístico de los pantalones morados clásicos de La Masa, o el cameo de Paul Soles, que interpreta al dueño de la pizzería Stanley y que fue el actor que puso voz al Dr. Banner en la serie animada de TV "Hulk". Este tipo de detalles hacen que la película adquiera un tono de homenaje agradable que demuestra el mimo y el respeto con el que se ha realizado el film.

Lo mejor y lo peor del film es el mismo Hulk. Me explico, por un lado las peleas y los momentos de destrucción y masacre de la mano del Gigante Esmeralda son geniales, como he dicho antes están en la mayoría del metraje bien rodadas, utilizando la cámara lenta o al hombro según convenga y mostrando batallas espectaculares y escenas geniales como la de los cañones de ultrasonidos o la parte inicial de la fábrica. Además se contemplan momentos en los que se nota un debate interno con la bestia, sobre todo en compañía de Betty Ross, y en general ese tipo de efectos están bien realizados y son fieles a la esencia del personaje, pero por contra sufre una dolencia bastante grave que es que el diseño por ordenador de Hulk no es nada realista, y cuesta muchísimo salvo en ocasiones contadas dejarse llevar por la película en ese aspecto. Se nota que hay un gran trabajo tras el diseño de la bestia y de hecho se ha hecho un esfuerzo en modernizarlo respecto al de la película de Ang Lee, estilizarlo más y darle un color más oscuro, pero sigue resultando difícil de integrar en el escenario y en el subconsciente, hecho que acaba afectando irremediablemente al visionado. Lo mismo me pasa con Abominación, además de que su aspecto se ha visto muy modificado respecto al ser original que tenía un aspecto más macizo y menos esquelético, resulta poco creíble en el aspecto de integración con el escenario. Desgraciadamente en ese aspecto me han defraudado los efectos especiales, solo hay que ver las fotos para comprobar lo que digo. Eso sí, la batalla final es bastante espectacular y es donde se hace el derroche más grande de medios, aunque tengo que confesar que me supo a poco. De hecho creo que la película sufre un pequeño bajón desde que aparece Abominación, como si al desaparecer Emil Blonsky la película perdiese fuerza. De todos modos la espectacularidad de los combates cumple con las expectativas e ilusiones previas al visionado del film, que ya es suficiente.

Es innegable que Marvel ha sabido redirigirse, ha adoptado de forma muy inteligente el "renovarse o morir" y lo ha hecho ella misma, y de momento puedo decir que lleva 2 de 2 teniendo en cuenta "Iron Man", cifra que hasta ahora ha sido muy difícil de sostener debido a la mediocridad de la mayoría de producciones basadas en superhéroes que han llegado hasta medrar la fama de dichas películas a simples productos a medio camino entre la Serie B de mala calidad y el cine comercial de consumo rápido. Suerte que la elección tomada por la compañía ha sido acertada y así está respondiendo el público, con una esperanzadora ilusión de que podemos estar en el comienzo de una nueva y gloriosa etapa en el mundo de los superhéroes. La película lleva recaudado unos $55M, y en la primera semana consiguió llegar a los $21M, cifra por debajo de la anterior versión de 2003 pero que espera superar con las ventas de merchandising y DVD a la larga. "El Increíble Hulk" es una película comercial pero con muchas concesiones al fan de los cómics, que muestra lo que se espera de ella y no engaña a nadie, un producto de fácil consumo pero con calidad, como si fuera una hamburguesa de gran calidad, nada de las Burger King rápidas y malas a la que estábamos acostumbrándonos. Merece la pena disfrutar del espectáculo en una sala de cine, por lo menos para ver la potencia del auténtico Hulk, La Masa más bestia del Universo Marvel.

Para los próximos tres años se espera que Marvel Studios lleve a cabo una segunda parte de "Iron Man", una película para Thor, otra para el Capitán América como ya he comentado, otra para Los Vengadores y otra más para el Hombre Hormiga. Nos vienen unos años fructíferos en cuanto a superhéroes; si el nivel sigue siendo así de satisfactorio, bienvenidos sean.

Mi puntuación: 7/10.

martes, 17 de junio de 2008

"El Incidente": la extinción de la raza humana.

El director y guionista hindú M. Night Shyamalan vuelve a asombrar con otra pequeña historia contada con mucho estilo, con SU estilo.

Manoj Nelliyattu Shyamalan, más conocido en occidente como M. Night Shyamalan, es un director con un sello característico e inconfundible; es fácil identificar sus películas pero difícil catalogarlas ya que este realizador se ha ido formando a sí mismo desde que dio con su estilo definitivo en su tercera película "El Sexto Sentido" (1999) y desde entonces siguiendo una tradición bianual nos regala sus películas que con mayor o menor éxito van ayudándole a labrarse una fama de director exclusivo y exquisito bien merecida. Sinceramente creo que Shyamalan no es ningún director comercial. De acuerdo que precisamente "El Sexto Sentido" le dio mucha fama gracias sobre todo a su sorprendente desenlace que estuvo y está en boca de todos, pero creo que desde entonces esa fama le ha hecho más daño que otra cosa, aunque también le sirvió para promocionarse todo sea dicho. Desde entonces, y desgraciadamente, todas las películas del director se han visto comparadas con "El Sexto Sentido" y el público, esperando ver otra vez aquella película, se ha sentido engañado en ocasiones con sus imaginativos guiones que no se han vuelto a centrar en la trama paranormal de aquella película. A esto yo le llamo el "sextosentidismo", evidentemente con connotaciones negativas. De todos modos personalmente creo que M. Night Shyamalan no solo es un genial creador de suspense, sino que creo que su mejor cualidad es su clase rodando; la iluminación, el uso del color, la forma de rodar las mejores secuencias y el cuidado en los planos, todo tiene tal mimo que es imposible no pararse a apreciar sus detalles. Y pese a las malas críticas sus películas nunca han estado ni estarán faltas de expectación, eso es un importante detalle.

Creo que Shyamalan tiene que estar acostumbrado a las malas críticas. Y lo digo porque como he dicho antes tiene un gran hándicap supongo que auspiciado por los productores que tienen la maldita manía de estar continuamente anunciando sus nuevas películas recordando que es "el director de..." y no dándole una simple oportunidad de sorprender con su película sin apoyo de las otras lo que causa una inmediata comparación a nivel cualitativo que pronto hará daño si la nueva película no sorprende todo lo que lo hizo la otra. Esto no es exclusivo de Shyamalan evidentemente, le pasa a muchos otros directores que incluso ya están consagrados hace años (véase todas las películas que haga Ridley Scott o Danny Boyle por ejemplo, que llevarán siempre las mismas etiquetas) y realmente es una lástima que se realice dicha comparativa. En parte lo entiendo, seguramente el incluir la frase promocional «Del director de "El Sexto Sentido" y "Señales"» ya supondrá un aumento en los ingresos por el público atraído, pero es posible que esa campaña publicitaria acabe siendo contraproducente cuando el producto es completamente nuevo, como pasa con cada película de Shyamalan. Porque eso sí que lo tiene, cada película que rueda es completamente nueva y no tiene nada que ver con la anterior y eso, teniendo en cuenta que siempre se mantiene fiel a su estilo, es un mérito que merece la pena destacar. A Shyamalan no lo veo como director de superproducciones, es capaz de relatar pequeños cuentos e historias de forma que se hagan cercanas al público, los hace partícipes de los miedos y fobias de los protagonistas y consigue arrancar una empatía típica de relatos íntimos más que de blockbusters. A servidor no es que este director le apasione como ningún otro, pero sí que es verdad que con el tiempo le he ido cogiendo aprecio y al final hasta lo tengo en buena estima. Confieso que la primera vez que vi "Señales" hace años me pareció directamente una gran castaña, pero con el tiempo supe indagar en los detalles de dicho film y ahora es una película que me gusta bastante, de la misma forma que me pasó con "El Bosque" cuya primera proyección soporté con recelo, pero que más tarde me maravilló con el descubrimiento de su increíble uso del color y la iluminación. Me atrevería a decir que la película que mejor representa la esencia del cine de Shyamalan es quizá "El Bosque". Eso sí, "El Sexto Sentido" y "El Protegido" son películas que me fascinaron desde el primer momento, sobre todo la segunda con un Bruce Willis en pleno estado de gracia. La única que aún hoy día no me ha acabado de convencer en su filmografía es "La Joven del Agua" que me parece su película más floja, aunque creo que sería justo por mi parte darle otra oportunidad.

Su octava película como director es "El Incidente" ("The Happening") y la historia le viene como anillo al dedo, la sinopsis es simple, pero antes de seguir y como siempre en mis análisis debo avisar que tenéis que tener cuidado con los SPOILERS, hablaré del film teniendo en cuenta que si seguís leyendo es porque ya la habéis visto. Como decía la historia es increíblemente sencilla y efectiva, una ola de suicidios en masa ataca los centros urbanos de las ciudades de la costa este de EEUU, lo que conduce al pánico a la población y a una carrera por la supervivencia. Así de simple, así de dura, porque esta vez Shyamalan se deja de chiquitas y rueda la serie de suicidios con gran pulso y sin remilgos, no esconde nada y las horrendas muertes suceden frente a nuestros ojos de forma tan real y visceral que se hace imposible no estremecerse con cada acto de crueldad y crudeza que se auto-aplican las víctimas. Quizá uno de los atractivos del film, aunque parezca tétrico o morboso reconocerlo, es la dureza y violencia de los suicidios, y el hecho de que el director, que hasta el momento no había mostrado este tipo de escenas, haya decidido hacer una película con una calificación bastante restringida (R-Rated en EEUU).

La película comienza fuerte y pronto, las primeras secuencias son absolutamente espectaculares, desde el suceso del parque donde todos los viandantes de quedan paralizados y la chica se clava el aguijón en la garganta hasta la espectacular escena en la que los obreros saltan al vacío al unísono. Uno de los mejores comienzos de las películas que llevamos este año sin duda alguna, por no decir el mejor. Pero no todo queda ahí, y hay escenas en las que a uno se le encoge el corazón, ya sea por la carga emocional como en la de «¿Mis padre están muertos?», o por la brutalidad de las escenas como la de los cuerpos ahorcados y el posterior suicidio con el jeep. Por cierto, he de sumarme un punto freak al haber reconocido al conductor del jeep por el simple reflejo de los ojos en el retrovisor: Brian O'Halloran el protagonista de "Clerks". Una escena que se me ha quedado especialmente grabada por su espectacularidad y su gran clase es la del suicidio con la pistola del policía, rodada en un único plano secuencia que sigue la pistola y tan solo se centra en los pies de la próxima víctima y el posterior cadáver desplomado sobre el suelo. Absolutamente brillante.

Aunque el director compara su film a "Los Pájaros" de Alfred Hitchcock o a "La Invasión de los Ladrones de Cuerpos" de Don Siegel, películas que desgraciadamente aún no he visto (sí, lo sé, no tengo perdón), yo le he visto un tremendo parecido al remake de "La Guerra de los Mundos" de Steven Spielberg, donde la acción se centra más en la supervivencia de una familia que en el alcance global de la catástrofe en sí. De hecho hasta comparte cierto tipo de desequilibrado personaje, sea en "El Incidente" una abuela o en "La Guerra de los Mundos" un espléndido y conspiranoico Tim Robbins. Como digo esta "plaga de suicidios" asola toda la costa este de EEUU y quizá el espectador que siguió atento todo el marketing del film pensaría que se seguiría de forma global toda la catástrofe, quizá de ahí viene la desilusión de algunos críticos y fans del director aunque teniendo en cuenta los precedentes lo extraño hubiera sido que Shyamalan lo hubiese afrontado de otra forma. Creo que no me equivoco cuando digo que precisamente "La Guerra de los Mundos" de Spielberg sufrió el mismo mal, ya que en vez de seguir a un científico que intentaba combatir a los marcianos como en la película original de Byron Haskins en 1953 lo que hacía era seguir a un operario de grúa que intentaba mantener a salvo a su familia. Aquí el protagonista es Mark Wahlberg, que últimamente se encuentra en un momento de su carrera espléndido tras la nominación al Oscar por su papel secundario en "Infiltrados" y protagonizar otra película junto a Joaquin Phoenix y Robert Duvall "La Noche es Nuestra". Wahlberg interpreta a Elliot, un profesor de instituto que tiene algunos problemas con su pareja Alma, Zooey Deschanel ("El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford", "Un Puente hacia Terabithia"). Ambos intentarán abandonar Filadelfia cuando el pánico colectivo comienza a aparecer, y les acompañará otro profesor Julian, interpretado por el versátil John Leguizamo ("La Tierra de los Muertos Vivientes", "Moulin Rouge!"), que se trae consigo a su hija Jess (Ashlyn Sanchez). Este es el cuarteto protagonista con el que rápidamente nos identificaremos, ya que Wahlberg, pese a ser el protagonista, no es ningún héroe ni superhombre, es simplemente un tipo que intenta llegar a un punto seguro para sobrevivir junto a su novia y la niña. Mientras intentan escapar se suceden las acongojantes escenas de suicidios en masa (a destacar la de los leones en el zoo y la de la cortadora de césped) que recuerdan al espectador la gravedad del asunto y el empeoramiento de la situación conforme van deduciendo la causa de las muertes. Y digo deduciendo aunque en ningún momento queda completamente claro pese a que la hipótesis que más fuerza tiene es la de la respuesta electroquímica de las plantas contra la amenaza del ser humano, y es que ya lo dice la frase atribuida a Einstein que está escrita en la pizarra de la clase: «Si la abeja desapareciese de la capa de la Tierra al hombre le quedarían tan solo cuatro años de vida.». Pero tampoco puede descartarse la opción del ataque terrorista o la energía nuclear, y es esa una de las ventajas de la película que igual que en las de zombies de Romero que ya comenté por aquí no importa en absoluto el motivo, tan solo seguir adelante y superarlo. Durante la historia del cine han habido ya muchas explicaciones para este tipo de catástrofes así que no merece la pena volver a repetir ninguna o inventarse otra parecida, de hecho así se acrecenta el factor de la empatía con los protagonistas, el factor subjetivo de la catástrofe, que es el quid de la película.

En "El Incidente" la visión del realizador intenta ser objetiva en el aspecto de que no todo es pesimismo ni optimismo en las relaciones humanas surgidas a partir de un suceso traumático como es el fin de la vida humana. Vemos gente egoísta que huye con su coche sin recoger a nadie, y vemos como otros sí que recogen a gente, vemos como hay quien quiere colaborar y otros que prefieren ir solos, y vemos incluso como se cometen asesinatos impunemente bajo el manto del apocalipsis en la sobrecogedora escena de la casa en la que habita una familia cargada con escopetas que no dudan en usar contra dos críos. La nota de suspense e incluso miedo (por qué no confesarlo) la pone la parte final de la película en el caserón de la abuela loca, que por momentos me recordó a aquel estremecedor tramo de "Señales" en casa del vecino. Un susto gratuito y mucho suspense para un final de película que es posible que a los que adolecen de "sextosentidismo" les supiera a poco ya que no se reserva ningún giro para el final, aunque creo que la última escena concluye de forma magnífica la película, esa especie de bucle que se cierra, la película comienza y acaba de la misma forma. El ciclo se repite.

A destacar una constante en el cine de M. Night Shyamalan que es la colaboración con el compositor James Newton Howard, uno de los compositores más en forma y de mayor talento de Hollywood. Sin duda el dúo formado por realizador y compositor resulta un tándem perfecto que casa a la perfección en esta historia llena de desesperanza y dramatismo, que sabe acompañar exquisitamente con cada melodía que se apodera el film. Desde luego la BSO de la película es un toque de calidad añadido.

En mi opinión Shyamalan ha vuelto a hacer una gran película al nivel de sus mejores y no ha bajado el listón con esta historia apocalíptica que por enésima vez renueva su forma de hacer cine y añade otro género más en su filmografía. Esta vez la película lleva un mensaje distinto, la crítica es evidente: el ser humano tiene que aprender a convivir con la naturaleza, porque si no acabará encontrándonos una amenaza y nos eliminará como con tantas especies ha hecho. No tenemos que subestimar el poder de la naturaleza. Para mí la película está al mismo nivel de "Señales" o superior gracias a sus impactantes escenas y a ese brutal inicio de película que se me quedará grabado por su impacto. Yo disfruté bastante en el cine, y vi lo que esperaba ver, una película que sorprende, no por su originalidad ya que es una historia que ha sido contada otras veces en forma de mil variantes distintas, sino por su forma de ejecutarla y de mostrar la catástrofe, y porque Shyamalan siempre aplicará su sello haga la película que haga. Un aplauso por mantener vivo ese gran subgénero del cine apocalíptico.

Mi puntuación: 7/10.

domingo, 15 de junio de 2008

"Atraco Perfecto": Stanley Kubrick, una visión única (III).

Cine negro, cine clásico. El cine según Kubrick; su primer gran golpe.

El éxito de "El Beso del Asesino" en taquilla fue escaso, y aunque gustó a la crítica no tuvo demasiada trascendencia. La asociación que tuvo lugar en ese film con el productor James B. Harris dio como resultado la productora Harris-Kubrick Pictures, con la que rodaría la segunda película de cine negro de Kubrick, "The Killing" (traducida pésimamente en España como "Atraco Perfecto"), que se basaba en la novela de Lionel White "Clean Break" (cuyos derechos de autor obtuvieron por $10.000) donde se narraba el atraco a una casa de juego de un hipódromo. El guión fue elaborado por el mismo Stanley Kubrick, pero obtuvo la ayuda de Jim Thompson en los diálogos. Kubrick siempre fue una persona muy estricta y metódica, y supo que él solo no podía ser capaz de elaborar cada parte de una película, por lo que siempre supo relevar tareas a gente que podía ayudarle de la mejor forma. Se dice que el trabajo de un buen director es saber elegir a gente mejor que ellos mismos en cada diferente aspecto de la película, y Kubrick nunca rechazó la colaboración de otros para sacar adelante una obra.

El argumento se centra en Johnny Clay, que durante los cinco años que ha pasado en la cárcel ha estado urdiendo un golpe perfecto, un atraco milimetradamente planeado a un hipódromo del que podría sacar la sustanciosa cantidad de 200.000 dólares, que no es moco de pavo. Tras salir de presidio se buscará un grupo de fiar, cinco hombres; nada de delincuentes habituales, gente corriente con empleos mal remunerados y con ganas de cambiar su estilo de vida radicalmente. Perdedores natos que se dejen embaucar a la mínima de cambio por sus deslumbrantes planes.

El guión de la película es muy jugoso pero la verdadera particularidad del film es la forma de narrar los hechos. No se contaba la historia linealmente sino que mediante flashbacks se daban a conocer todos los aspectos del plan perfecto que el protagonista había elaborado. Ese hecho no solo ayudaba a la narración de la película sino que permitía construír un perfil más elaborado de los personajes. Rodada en excelente blanco y negro Kubrick aprovechó que el presupuesto del film era algo más alto que el de "El Beso del Asesino" y pudo relevar tareas limitándose a dirigir y guionizar, lo más importante. Para la fotografía contrató a Lucien Ballard, un director de fotografía clásico que trabajó mucho con Sam Peckinpah, con el que no estuvo muy de acuerdo con su forma de trabajar. Kubrick tenía 28 años por aquel entonces, y Ballard que contaba con 20 años más no aceptaba que siempre discutiese sus decisiones con la fotografía, que en aquella época solía ser tarea del director de fotografía exclusivamente y donde el director no participaba activamente en ese apartado.

Varias fueron las discusiones que tuvieron en más de una ocasión, destacando la primera escena que se rodó en la que Kubrick quiso hacer un travelling lateral con una lente de 25mm y con una iluminación y distancia específicas. Kubrick le dio las especificaciones a Ballard de lo que quería y cuando volvió para ver cómo había preparado la escena, Ballard había cambiado la lente por una de 55mm y había alejado los raíles para el travelling. Kubrick preguntó a Ballard porque había hecho el cambio y éste dijo que porque era más fácil y nadie notaría el cambio. El director respondió tranquilamente «Yo sí noto la diferencia. Así que pon la cámara donde te he dicho y usa la lente que te he dicho, o sal del set y no vuelvas.» por lo que se volvió a poner la lente de 25mm y se rodó como Kubrick quiso. No solo esa muestra del caráceter del director alimentó el despido de Ballard, ya que además Kubrick le envió a filmar una carrera de caballos en el hipódromo en forma de documental y el fotógrafo, poco acostumbrado a este tipo de trabajo, ofreció al director una grabación poco menos que desastrosa. Kubrick contrató a otro director de fotografía, Alex Singer, para que realizara esa grabación.

Stanley Kubrick comenzó a mostrar su carácter y confianza en este film, con el que no se acobardó en ningún momento pese a su corta edad (28 años) y su corta filmografía. Sterling Hayden, el actor que interpretaba al protagonista Johnny Clay, era un actor con veinte películas a sus espaldas y la gran mayoría del reparto eran actores con experiencia, veteranos y consagrados incluso, que daban el carácter recio que necesitaba la cinta, un plantel repleto de timadores, perdedores y gente corriente con ganas de cambiar de estilo vida. Hayden interpretó un papel similar en el film "La Jungla de Asfalto" de John Huston (1950), y siempre fue la primera opción de Kubrick para interpretar a Johnny Clay.

La película tiene un gran abanico de personajes, cada uno con sus motivaciones y sus planes personales, que aporta su grano de arena en el plan maestro de Clay para un atraco donde no debe haber víctimas. La estructura narrativa va más allá de lo que se conocía en la época. No es por comparar, pero si Quentin Tarantino rompió moldes con una revisión llamada "Reservoir Dogs" dotada de un estilo narrativo espectacular que luego eclosionaría en "Pulp Fiction", "Atraco Perfecto" hizo lo mismo intercalando secuencias de acciones pasadas y presentes.

El grupo encargado del atraco está formado por Johnny Clay (Sterling Hayden) y seis herramientas más. Y digo herramientas porque es como realmente Johnny les ve, y en ningún momento dudará en abandonarlos en caso de que las cosas se pongan feas. De hecho él fue el que elaboró el plan y suya es toda la gloria aunque necesite ayuda para llevarlo a cabo. Desde luego es el más inteligente del grupo, y además está enamorado de Fay (Coleen Gray), la chica del protagonista que aunque no tenga demasiado peso en la historia es la motivación principal de Johnny. Cada uno de los otros 6 tiene sus propias motivaciones para conseguir el dinero. Marvin Unger (Jay C. Flippen) es una especie de padre para Johnny. Intenta protegerlo en todo momento e incluso en algún momento intenta excluir a los demás para quedarse solo con él. Sus intenciones son egoístas, pero no solo con el dinero, también con el propio Clay. En teoría debería ser el personaje que aportara madurez a Clay, pero el que demuestra ser más maduro es él. Randy Kennan (Ted de Corsia) representa a la corrupción, debe dinero a un gángster local y para ello necesita el dinero. Pero lo peor de todo es que es policía, por lo que él mismo traiciona sus ideales en una situación extrema. De todos los que forman el grupo de atracadores, quizá el que tiene mejores intenciones (o más desesperadas) es Mike O'Reilly (Joe Sawyer), ya que su mujer necesita tratamiento médico y por lo tanto dinero para pagarlo. Para ello sacrifica su integridad y arriesga su vida. El pobre desgraciado del grupo principal de cuatro es George Peatty (Elisha Cook Jr.), que se desvive por su mujer Sherry (Marie Windsor) de la que está locamente enamorado hasta el punto de no ver que ella le manipula constantemente para beneficiarse de él. George soporta los maltratos del resto del grupo solo para conseguir la felicidad de su esposa, y ésta le paga con frases envenenadas y poniéndole los cuernos con Val Cannon (Vince Edwards) un joven igual de ruin que ella que intenta aprovecharse de la situación, lo que provocará el fatal desenlace a lo Tony Scott. Los otros dos personajes que participan en el atraco son Maurice Oboukhoff (Kola Kwariani en la que fuera su única película) y Nikki (Timothy Carey, que sería el soldado Ferol en "Senderos de Gloria"). Maurice es un matón que es más inteligente de lo que parece. Jugador de ajedrez y algo filósofo muestra que la apariencia no es todo y de hecho hace un intento por sacar más tajada en el asunto. Nikki es la otra ejemplificación de la suerte en "Atraco Perfecto". Cuando consigue acceder al aparcamiento que le da ángulo de tiro el vigilante le ofrece una herradura para darle suerte que rechaza. Cuando intenta huir tras disparar esa misma herradura le pincha una rueda lo que provoca que no pueda escapar y le maten. El símbolo de la suerte es el que le gira las tornas al que la rechaza.

Kubrick nunca perdió la clase rodando, y cada plano rezuma cuidado y mimo. El blanco y negro favorece al juego de sombras del que están rodeados constantemente los protagonistas y a ese tono previsiblemente trágico que tiene la cinta.

Según algunos críticos el filme es fundamentalmente existencialista. El existencialismo se basa en la búsqueda del significado de la vida y del porqué de nuestras acciones, las cuales nos definen como personas. Pese a planear cada acción hay un factor en el que el ser humano no tiene ninguna influencia: la suerte. Y esta película expresa esa filosofía brillantemente. A pesar de creer que todo está planeado, siempre existe un factor que escapa fuera del control y que puede enviarlo todo al traste. Quizá yo no iría tan lejos analizando tan exhaustivamente ese aspecto del film, pero sí que está claro que "la suerte" es algo muy presente en el film y demuestra que el ser humano no puede evitar ceder ante la fortuna por mucho empeño que ponga en sobreponerse a ella.

Si "El Beso del Asesino" fue considerada una buena obra amateur, "Atraco Perfecto" se consideró un gran trabajo profesional que seguía las pautas del cine clásico, rodada con exquisitez e imaginación. Se rodó en menos de un mes, tan solo costó $330.000, y aunque no cosechó un gran éxito entonces, dio prestigio al director que entonces se afianzaba como un director que apuntaba maneras. La última película noir de Stanley Kubrick pudo ser un éxito o no, pero lo que está claro es que hoy día es considerada una de las mejores películas clásicas de cine negro.

A pesar de su final políticamente correcto, que a mí me parecen unos 20/30 minutos finales geniales incluida la escena del aeropuerto, el desenlace de "Atraco Perfecto" resultó algo convencional para algunos críticos, pero yo repito que lo encuentro perfecto y desde luego es una fuente de inspiración para directores actuales en los que veo reflejadas muchas de las escenas que acontecen en este film.

Stanley Kubrick gritó en voz alta que ya había llegado, Hollywood caería en sus manos en breve y más habiéndose fijado Kirk Douglas en él. Pronto ese detalle daría sus frutos.

«Tienes una moneda donde las demás mujeres tienen un corazón.»

Mi puntuación: 8/10.

sábado, 7 de junio de 2008

"El Beso del Asesino": Stanley Kubrick, una visión única (II).

El debut "oficial" de Kubrick.

La primera película de Stanley Kubrick fue "Fear and Desire" ("Miedo y Deseo") en 1953, pero la película con la que comenzó a destacar de verdad fue "El Beso del Asesino" (1955), un film con el que daba las primeras pinceladas acerca de su talento y donde sobre todo definía su fotografía y su forma de grabar.

La película relata la historia de un boxeador en horas bajas que se interesa por la complicada situación de su vecina, una bailarina de un club privado que sufre el acoso de su jefe. Unidos por una fuerte atracción y por sus destinos intentarán huir para dejar atrás su decadente mundo.

Con un presupuesto muy modesto (unos 40.000 $) y ayudado por amigos y familiares, Kubrick rodó con 27 años un relato de claro corte de cine negro, que a pesar de no ser un gran éxito el excelente uso de la cámara (desde luego lo más destacable del film) y la cuidada puesta en escena hizo que el productor James B. Harris se fijara en él, dando lugar tiempo más tarde a Harris-Kubrick Pictures, asociación que daría muy buenos frutos.

El uso de lentes de gran angular, característica que más tarde definiría la carrera del director, proporcionaban una gran profundiad de campo, y además usó bastante el recurso de la luz natural para la iluminación cuando tuvo ocasión, con excepción de las escenas rodadas en interiores para las que usó luces potentes que crearon interesantres juegos de sombras, como se puede comprobar en la famosa escena final en la tienda de maniquíes.

El guión está basado en una historia ideada por el propio Kubrick a modo de homenaje a las novelas pulp-policíacas de la época, hecho que no se repetiría en su filmografía en la que siempre basó sus guiones en novelas y relatos que le interesaran lo suficiente como para llevarlos al celuloide. Se nota la poca experiencia de los actores pero aún así resuelven con soltura la situación y tiran para adelante el film.

A pesar de su inexperiencia, a Kubrick le premiaron en el Festival de Cine Internacional de Locarno con el premio al Mejor Director en 1959. Y aunque "El Beso del Asesino" pasara batante desapercibido en taquilla y crítica, la prensa comenzó a fijarse en el director, como por ejemplo el "New York Daily News" que dijo sobre él: «Una aventura de suspense que augura un buen futuro para el jóven Stanley Kubrick», o el "New York Mirror": «Usando su cámara como papel de lija, Kubrick ha dejado al descubierto el mundo de los salones de baile.».

Como curiosidades sobre la película decir que la actriz que interpreta a la bailarina, Ruth Sobotka, se convirtió en la segunda esposa del director, la mayoría de las localizaciones de la película estaban a pocos minutos de la residencia del director, y además Kubrick despidió al técnico de micro por su constante intrusión en el plano, lo que le llevó a incluir el sonido en post-producción en vez de mantener el sonido grabado de la propia localización.

En definitiva se puede decir que fue la primera prueba seria de Kubrick y sin duda fue el inicio de su carrera profesional que comenzó a mostrarle al público como un director con un futuro prometedor. No es una gran película, de hecho el mismo Kubrick intentó eliminar todas las copias existentes del film, cosa que no consiguió (al contrario que con "Fear and Desire"), pero es interesante ver los inicios de un director que ofreció al cine una nueva dimensión, un nuevo punto de vista.

Mi puntuación para "El Beso del Asesino": 5/10.